Школа рисования

+97.23
126 читателей, 23 поста

Туториалы по рисованию пейзажей

Сезон пленэров уже совсем близко и я решила собрать подборку видео с хорошими уроками рисования пейзажей. Сегодняшняя подборка посвящена графике и рисованию карандашом, это отличная тренировка для новичков. Она развивает чувство тона, позволяет легко корректировать рисунок и не требует большого количества материалов. Рисование на пленэрах отлично тренирует глазомер, понимание композиции и любимо не только новичками, но и уже состоявшимися художниками. Надеюсь уроки ниже помогут сделать вам красивые зарисовки!











На последнем видео акварельные графитовые карандаши, о которых я писала здесь.

Как нарисовать круг в перспективе


Вопрос важный не только для новичков, но иногда и для опытных художников. Понимая как правильно рисуется круг в перспективе мы можем нарисовать огромное количество предметов, не только горшки и тарелки.
В общем краткая суть: обычно мы редко видим круглые предметы фронтально. Например тарелку вот так



мы видим гораздо реже, чем вот так.



Поэтому нам нужно понимать, как правильно изобразить тарелку в перспективной горизонтальной плоскости. Для этого есть простая схема.


Самое главное слева. Мы видим овалы и линию горизонта, относительно которой и рисуем обычно все объекты. На уровне линии горизонта овал либо превращается в линию, либо очень узкий. Чем выше или ниже, тем овал становится круглее, все линии которые ближе к нам по закону перспективы будут толще, все, что дальше — тоньше. Если овал сильно ниже уровня зрения, он может становится почти круглым. Очень наглядно это можно увидеть, взяв моток скотча, вашу идеальную натуру для отработки этого навыка. Поднимаем моток на уровень глаз — в идеале мы увидим прямоугольник, поднимаем выше и ниже и сразу видим наглядно все изменения.
В вертикальной плоскости история абсолютно такая же, только схему надо перевернуть на 90 градусов.

Таким образом нам становятся подвластны все тарелки и горшки, смотрим на предыдущую картинку тарелки, с учетом новых знаний.



Можно нарисовать еще один овал чтобы показать толщину тарелки, конечный результат зависит от вашей наблюдательности. Навык рисования овалов очень хорошо тренируется в детальном рисовании простых предметов, отлично подходит на первых порах все тот же моток скотча например.

При рисовании овалов есть еще одна часто встречающаяся ошибка. Многие рисуют вместо овала две дуги. Этого нельзя допускать, даже если ваш овал очень узкий, всегда рисуем скругления в углах.



Со временем вы будете прекрасно находить перспективу практически в любом объекте.







Ну а после того, как круги надоедят, можно пробовать рисовать квадраты — принцип тот же самый. Есть правда нюанс с точкой схода, но об этом в другой раз.



Надеюсь больше у вас не возникнет проблем с кругом в перспективе и ваши рисунки будут правильными и точными. Кроме этого поста можно посмотреть так же упражнения для освоения планшета, которые помогут вам быстро рисовать красивые ровные овалы, круги и другие геометрические фигуры.

Как выбрать холст для рисования


Холст понадобится, если вдруг вы решили попробовать рисовать маслом или акрилом. Сразу надо сказать, что и тем и другим можно рисовать например на грунтованном картоне, но лучше по ряду причин использовать все-таки холст.

Бесспорно живопись на холсте дарит совершенно другие ощущения, да и картина в итоге выглядит более презентабельно, но при выборе холста нужно знать несколько моментов, которые позволят сделать вашу картину более качественной и получить удовольствие от процесса.

Холсты бывают на подрамнике, на картоне и в рулоне (когда нужно самостоятельно натягивать на подрамник). Материал холста тоже бывает разным — лен, хлопок, синтетическое волокно, мешковина. Так же холст может быть загрунтованный или нет, негрунтованный холст для работы не подходит.
Выбор холста связан с размером работы и ее дальнейшим использованием. Новичкам лучше всего брать готовые (натянутые на подрамник или накленные на картон) холсты, потому что грамотно натянуть или наклеить холст первый раз сложно, его надо еще дополнительно прогрунтовать, собрать под него подрамник или найти нужный картон и первый опыт не всегда может оказаться удачным.



Для мелких мазков, некрупных форматов и первых работ отлично подойдет мелкозернистый или среднезернистый холст. Если нужно показать фактуру и размер картины большой — идеально использовать крупнозернистый холст (плотностью от 280 г/м2). Отлично для больших работ подходит льняной холст с двойным переплетением, но он обычно дороже. Репинский холст (на картинке выше) используется для картин средних и больших размеров, такой холст очень прочен, а за счет крупного переплетения 4 на 4 нити имеет ярко выраженную фактуру. Плюс стоит обратить внимание, чтобы у холстов большого размера на подрамке была дополнительная рейка посередине, чтобы увеличить жесткость самого подрамника и чтобы картина не провисала в дальнейшем под собственным весом.


В зависимости от материала холсты имеют разные особенности.
Лен

Лен зарекомендовал себя как лучший материал для холста. Картины на льняных холстах пишутся уже не одно столетие, в отличии от хлопка который как материал для холста появился не так давно. Выбор льняного холста для живописи является среди художников «благородным» и возможно самым хорошим.

При выборе надо внимательно осмотреть ткань, ее текстура должна быть везде одинаковой, без каких-либо полос или пятен со слишком сглаженной текстурой или наоборот с нагромождением «узловатостей». Если подобных дефектов нет — обратите внимание и на направление нитей холста, они должны быть параллельны с краями подрамника. Ткань должна быть натянута параллельно подрамнику, а не как-нибудь наискосок или по диагонали. Это важно, потому что при неправильной натяжке холст со временем может повести, он может пойти волнами, обвиснуть и так далее.

Плюсы льняного холста:
  • лен не поглощает влагу в отличии от хлопка;
  • менее подвержен провисанию со временем;
  • не настолько подвержен механическим повреждениям, удобно рисовать мастихином;
Минусы:
  • льняной холст стоит гораздо дороже хлопкового;
  • вес его немного больше чем хлопка (если говорить о выставках и отправкой почтой картин);
Хлопок


Холсты из хлопка на сегодняшний день, наверное, самые распространенные и пользуются постоянным спросом. На таком холсте приятно и удобно писать картины в любой технике маслом. Первыми холсты из хлопка начали пользоваться в США только в прошлом веке. Им нет еще и века, значит невозможно проверить насколько они долговечны.

Хлопок более мягкий. Льняная ткань отличается от хлопковой большей плотностью и жестокостью, а также узловатостью. Обратите внимание на плотность ткани натянутой на подрамник, особенно это касается холстов из хлопка. Не стоит покупать холст с плотностью меньше 220г/м.кв.

Плюсы:
  • цена холста не столь велика как у льняного;
  • при хорошей натяжке хорошо и удобно писать на хлопковом холсте;
Минусы
подвержен накоплению влаги.
  • легко подвергается механическом влиянию;
  • со временем хлопковый холст может провисать.
Синтетика
Синтетические холсты новинка, появились они совсем недавно, но у них уже есть несколько очевидных преимуществ. Считается, что полиэстер превосходит лён и хлопок, устойчив, прочен и не чувствителен к воздействию масляных красок. Полное отсутствие фактуры делает материал совершенно гладким. Некоторые художники используют в качестве холстов материал для натяжных потолков — у меня к сожалению нет опыта в этом вопросе, поэтому ничего сказать не могу. Так же я почти не видела синтетических холстов, либо просто не обращала на них внимания.



Плотность холста обычно указывается на упаковке. Также, условно ее можно определить и на ощупь, если легко надавить пальцем на холст, на нем не должно оставаться вмятины. Если на холсте остаются следы от нажатий пальцем, на нем либо слишком слабый слой грунта, либо ткань очень рыхлая.

На качественно грунтованном холсте не должно быть никаких просветов «точек», «крестиков» между нитями, участков, на которые не нанесен грунт. Лучше покупать холсты со стандартным, акриловым трехслойным грунтом — на такую поверхность прекрасно ложится масляная и акриловая краска.

Перед покупкой нужно еще внимательно осмотреть подрамник, у него не должно быть внешних острых углов, иначе холст будет рваться. Внешний периметр подрамника должен быть немного приподнят, а внутренний должен уходить вглубь. Холст натягивается только по внешнему округлому краю подрамника, и с лицевой стороны больше нигде к нему не должен прикасаться. Подрамник может быть модульный и тогда со временем можно регулировать натяжение холста, вбивая клинышки в специальные пазы, либо глухой — с такого только снимать холст и перетягивать по новой. Если предполагается, что холст надо будет транспортировать, лучше всего модульный подрамник — его можно разобрать, холст свернуть и отправить в тубусе.



Я большая поклонница холстов на картоне, пишу на них акрилом. Такой холст представляет собой грунтованное полотно (трехслойный акриловый грунт), закрепленное на толстом картоне. Отлично подходит для акрила и масла, дешево стоит, не менее презентабельно выглядит, бывает разных форматов, вплоть до метра. Есть много разных производителей, мне больше всего нравятся холсты Мастер-класс, у них приятный слегка кремовый грунт, бывает разных цветов (черный, сепия, темно-коричневый) и отличное качество, холсты Черной речки, очень ровные и приятные. Холсты Сонет и Brauberg похуже, но тоже неплохие.

Вот примерная этикетка холста на картоне, стоит обратить внимание на плотность, здесь 280 грамм, и на состав — в данном случае 100% хлопок. Ну и указание на грунтовку, обычно еще дописывается «трехслойный акриловый грунт», в данном случае количество слоев не указано, но для работы нормально, подозреваю что обычные три слоя.



Холсты на картоне могут еще быть самых разных форм, я лично видела круглые, овальные и шестиугольные, так что поле для экспериментов огромное.

Так что, зная некоторые моменты, можно выбрать лучший холст для своей картины и писать с удовольствием heart

Как повысить свой уровень художника?

Вопрос, на самом деле, терзающий меня уже долгое время. Потому что в какой-то момент оказывается, что материалов для новичков много, а если хочешь как-то углубить свои знания или найти что-то новое приходится очень глубоко копать и частенько обламываться. Поэтому прочитав статью Роба Чанга про 10 правил для повышения своего уровня, спешу поделиться. На мой взгляд это очень вдохновляющие советы, которые действительно могут помочь, хотя, казалось бы, лежат на поверхности. Речь идет не только о художниках, но и вообще о творческих людях.

Итак, вы уже много знаете, умеете, но чувствуете, что топчетесь на месте — что же надо делать в этом случае?



1. Изучить самые базовые основы, если вы еще не сделали этого. Теория композиции, цвета, знания об анатомии и пропорциях необходимы на практике. Увы, вы не можете назвать себя компетентным художником, пока вы не сделали этого. В идеале кроме теории все эти знания должны войти в практику, однако многие художники/иллюстраторы всем этим пренебрегают, считая это скукотищей. Кстати по своему опыту могу сказать — вдумчивое изучение основ реально может подарить вам кучу идей и продвинуть вперед.

2. Вырваться из зашоренности. Если вы одержимы аниме, мангой, комиксами, фотореализмом, или каким-либо определенным стилем, и не желаете при этом исследовать и изучать другие художественные направления, стили, культуры и периоды времени, то вы попадаете в своеобразный туннель, каждый раз бегая по кругу и производя одно и то же. Самое же интересное получается из смешения разного и находится на стыке разных областей.



3. Не быть бездумным художником. Это, пожалуй, самый важный для большинства совет. Подумайте о том, почему вы занимаетесь творчеством (и занимаетесь ли им вообще). Является ли вашей единственной целью нарисовать что-то, чтобы показать это в инстаграме или продать? Есть ли вам что сказать? Что, если ваше «творчество» полностью одноразовое и бессмысленное? Если вы обслуживали только самые низшие уровни удовлетворения, никогда не используя высших побуждений, таких как интеллект или эмоции, то, возможно, пришло время копать немного глубже. У вас есть душа — используйте ее. Это не только об абстрактном понятии «глубины» — это о качестве. Вспомните разницу между классическими добрыми комедиями и дешевым тупым трешом.

4. Не копировать бездумно реальность. Для точной передачи окружающих вещей люди создали фотоаппараты, принтеры и сканеры. Художник и иллюстратор как раз интересен тем, что может привнести что-то новое, показать мир через призму своих взглядов, чувств и мыслей. Мы можем стилизовать, преувеличивать, упрощать, идеализировать, использовать абстрактные и сюрреалистические подходы — так почему же не использовать все это?



5. Не зацикливаться на отполированности и безупречности своих работ. Свободные или четкие линии кисти, наброски или простые линии — ваш выбор. Намного важнее внутренняя структура и базовые знания. Рисование представляет собой непрерывный эксперимент, и постоянно меняется и развивается. Хороший художник должен быть в состоянии использовать все виды материалов, разные методики работы, разные поверхности. Поступая таким образом, вы получите представление о том, как что работает и сможете выражать себя более полно и разнообразно.

6. Не тренироваться бесцельно. Бездумное рисование дудликов в блокнотах расслабляет и забавляет, но вряд ли поднимет ваши умения на новый уровень. Вы должны достигать того, чего еще не умеете, а не делать то, что уже можете делать даже с закрытыми глазами. Найдите свои слабые места и планомерно занимайтесь их прокачиванием, только в этом случае будет рост. Анализируйте ошибки, избегайте тратить время на вещи, которые не служат очевидной цели. Обратите внимание на структуры и модели — будь то научные физические законы нашего мира (свет, тени, цвета и напряжения сжатия точек ткани и т.д.), или творческие подходы, которые дают наиболее эффективные результаты (использование контраста в цвете, характер штрихов и т.д.).

7. Иметь реалистичные ожидания. Даже если вы будете рисовать 24 часа, вы не научитесь рисовать за одни сутки. Это занимает годы упорной и умной работы. Художники не просто рисуют несколько десятков голов, а затем получить право рисовать портреты — они постоянно практикуют навык, изучают форму на протяжении многих лет, десятилетий, и они не делают это бездумно. И это только человеческая голова.

8. Учиться воспринимать критику. Художник живет среди других людей, получайте комментарии, и если вы не можете принять критику вы будете несчастны. На самом деле это прекрасный материал для вашего роста. Когда вы получаете положительные и отрицательные комментарии, будьте благодарны. Если вы не можете увидеть ничего за пределами вашего эго — вы будете напрасно страдать, причем по своей же вине и из-за своей глупости.

9.Быть человеком с широким кругозором. Узнайте о мире, в котором мы живем — история, политика, религия, экономика, наука, литература, музыка, фотография, кино… и целый океан интересного. Вы будете удивлены, как многие вещи взаимосвязаны, даже если мы не замечаем этого. Интеллектуально и эмоционально неразвитый человек мало может предложить миру, как творец искусства. Мыслите открыто, будьте общительны и образованны.



10. Вы можете не стать хорошим художником. Если вы нетерпеливы, не может сидеть на месте, быстро теряете фокус, легко разочаровываетесь, у вас нет мотивации, вы не может принимать критику, хотите только мгновенного удовлетворения, и не желаете трудиться, то вы не станете хорошим художником. «Талант» не является решающим фактором, если вы не можете работать над собой, упорно преодолевать трудности, разочарования, чувство ненависти к самому себе, и уныние, которые будут определять ваши шансы на успех. Вы должны мысленно представить весь путь. Однако это не делает вас плохим человеком, вы можете заниматься чем-то еще и получать удовольствие.

Как вы можете видеть, эти советы охватывают не только практические проблемы того, как стать хорошим художником, но и эмоциональные, психологические и философские аспекты. Основная цель быть думающим, мыслящим целостным и адекватным человеком, а это требует долгой работы над собой и очень сложно на самом деле.

А как вы повышаете свой уровень?

4 совета для рисования реалистичной шерсти


Пушистые животные обычно вызывают у нас умиление и всякие нежные чувства. Поэтому их любят рисовать и сегодня я расскажу как сделать зверюшек еще милее, пушистее и правдоподобнее. С помощью способов описанных ниже можно рисовать шерсть любой длины и любого цвета. Лучше всего использовать кроющие краски типа акрила, гуаши и так далее, но так как это базовые принципы, они сработают и с другим материалом.

1. Начинать рисовать шерсть стоит с самых темных мест. Это помогает создать базу для рисования последующих слоев и добавить объемности и реализма зверюшке. В зависимости от окраски животного лучше использовать цветную подложку под слоями, это позволяет избежать случайных белых и светлых пятен.


2. Далее нужно рисовать последующие слои шерсти, постепенно делая их все светлее. Рисовать нужно тонкой кистью отдельными шерстинками. Идея заключается в том, чтобы закончить с самым светлым оттенком на верхнем слое. Представьте каждый слой меха, как черепицу на доме — каждый слой слегка перекрывает другой.

Обратите внимание на то, как вы рисуете. В тенях должно быть меньше слоев, на свету — больше. Опять же, важно, чтобы каждый слой полностью высох перед рисованием следующего. Если краска не будет достаточно сухой, цвета будут мутными, и отдельные шерстинки не будут видны.


3. Стоит мысленно поделить поверхность животного на маленькие секции, в каждой из которых мех ложится в своем направлении. Например вокруг глаз мех как бы огибает круглый глаз. Это помогает создавать формы, которые составляют морду животного и придает опять же глубину и реализм работе.


4. Последний слой должен быть акцентом на самых светлых местах. Здесь лучше всего использовать самую тонкую кисточку и следить за текучестью краски — она должна быть жидкой, но не текучей, иначе есть шанс поставить кляксу на уже готовой работе. Попрактикуйтесь делать одинаковые штрихи с постепенным изменением толщины. Именно на этом этапе обычно рисуются ресницы, усы, блики и пятнышки, оживляющие работу.


С помощью этих несложных приемов легко придать животному больше реалистичности, сделать его пушистее и объемнее.

Как рисовать снегопад акварелью — хитрости и трюки

Пришла зима, а значит самое время для сюжетов со снегом! В этом посте я расскажу про несколько способов нарисовать снегопад и покажу примеры.

Итак первый способ — самый очевидный, на мой взгляд, оставлять белые места там, где это необходимо. Вот мой пример такого снегопада, я просто обводила кисточкой произвольные белые кружочки, оставляя бумагу без краски.



Минусы такого способа в том, что сделать размытые края у маленьких снежков довольно сложно. Так же если нужно сделать таким способом большую область, работать нужно быстро и оперативно, а то получаются границы заливок, в середине моей картинки видно как это выглядит.

Второй способ — использовать ватные палочки или салфетку, чтобы промакнуть сырую краску и снять лишний слой.

Читать дальше...

Техника рисования маркерами


Решила собрать общие принципы рисования, пост будет полезен тем, что собирается попробовать рисовать маркерами и не знает с чего начать. Все картинки в посте с просторов интернета.

Речь пойдет о рисовании спиртовыми маркерами в основном. Напоминаю: главное отличие спиртовых маркеров в том, что они заправляются спиртосодержащими чернилами и когда ими рисуешь краска очень быстро сохнет и не коробит бумагу.

Есть несколько основных техник:

Читать дальше...

Акриловая живопись — подборка видео

Собрала в одном месте видео с разными техниками рисования акрилом. Обратила внимание, что многие говорят о любви маслом даже не попробовав акрил, а материал то на самом деле чудесный.
Я постаралась собрать видео именно о живописи, а не о декоративной росписи (почему то многие считают акрил пригодным лишь на это) все на английском, но в принципе понятно без перевода.

Рисование пейзажа приморского городка. Используется прозрачная размывка подложка и плотная живопись мазками поверх.



Читать дальше...

Акрил — начало работы и некоторые тонкости

Акрил относительно новый материал в художественном мире и гораздо моложе масла, но может стать его прекрасной альтернативой. Акриловая краска представляет собой водно-дисперсную краску на основе полиакрилатов (преимущественно полимеров метил-, этил- и бутил акрилатов), а также их сополимеров в качестве пленкообразователей. Это значит, что рисовать ей можно с применением воды, не требуется никаких разбавителей и масел.


В зависимости от техники акрил может быть похожим на акварель или масло. После высыхания краска превращается в эластичную пленку, не тускнеет со временем и может даже выставляться на улице, так как устойчива к внешним воздействиям. После высыхания акрил немного темнеет, это стоит учитывать при рисовании.

Однако новичкам работать акрилом сложно, информации не очень много, сохнет краска почти мгновенно в результате многие просто не понимают ее потенциал.
Когда я начинала рисовать акрилом, то столкнулась с массой моментов, которыми и хотела бы поделиться.


Акрил — вещь прекрасная, он почти не пахнет, дешевле масла и рисовать им можно практически на любой поверхности. Подойдет и бумажный скетчбук (листы лучше брать поплотнее, потому что бумага может пойти волнами), и холст на картоне, и картон. Если рисовать на деревянной поверхности, лучше ее сначала прогрунтовать. Рисовать удобнее всего синтетикой и щетиной, потому что краска тяжелая и нежные кисточки вроде белки или пони быстро портятся, плюс кисти сразу же после работы необходимо мыть, иначе краска засохнет и кисть будет безнадежно испорчена. В банку с водой лучше наливать прохладную, а не теплую воду — от нее акрил может застывать в основании пучка кистей. После работы следите, чтобы все тюбики и банки с краской были плотно закрыты, иначе краска высохнет.

Если использовать больше воды — акрил может быть прозрачным, хотя и уступает акварели, но рисовать лессировками все равно можно. После высыхания акриловые лессировки не размываются, поэтому можно без опаски рисовать сверху. Я предпочитаю имитировать масло, поэтому пишу жирными мазками. В этом случае можно вообще не использовать воду, но я все-таки промываю в процессе кисти, правда отжимаю их, чтобы лишнюю воду не нести на холст. Можно писать прозрачными мазками поверх плотной подложки. Самый крутой вариант — писать на холсте на картоне. Такую картинку удобно вставить в раму, если нужно, она легкая и выглядит более презентабельно, фактура же полностью имитирует холст, что добавляет иллюзию масляной живописи, особенно если использовать мастихин.


Прелесть и одновременно сложность акриловых красок в том, что они быстро сохнут, поэтому даже на палитре краски высыхают. Можно использовать замедлитель высыхания, однако о нем я сказать ничего не могу, не пробовала.
Я использую специальную палитру, чтобы слегка замедлить высыхание.

Беру фарфоровую или стеклянную тарелку (она более устойчивая), застилаю ее бумажными полотенцами и мочу под краном всю конструкцию. Воды должно быть прилично, но немного отжать полотенца стоит. Поверх полотенец кладу лист обычной кальки, у меня она слегка глянцевая, что удобно, кисточки лучше скользят. Слегка прижимаю кальку, чтобы она стала влажной, но не промокла совсем. Теперь можно выдавливать краску на кальку, под ней будет вода и краска в этом случае сохнет медленнее. Сразу много краски выдавливать не стоит. После работы можно закрыть палитру пищевой пленкой и поставить в холодильник, краски могут остаться жидкими до нескольких дней. Такой способ на самом деле позволяет экономить краски. Очень удобно в процессе работы пользоваться небольшим пульверизатором смачивая краски на палитре. Перед рисованием кисти можно замочить на ночь в воде, так они вберут в себя некоторое количество воды и не будут впитывать ее в процесс работы.

Я пробовала акрил разных производителей, зарубежные марки круты несомненно, из отечественных мне очень нравится серия Мастер-класс и Ладога, рисую в основном ими. Если попадется акрил Гамма — не тратьте деньги, он ужасен и отвратителен. Акрил бывает в банках и тюбиках, в манках краска более жидкая, в тюбиках более густая. Я предпочитаю тюбики, они удобнее, занимают меньше места и краска более маловероятно высохнет внутри тюбика. Идеальный акрил слегка жидковатый и одновременно густой, по консистенции должен быть примерно как майонез. В нем не должно быть комков и он не должен быть совсем густым, как зубная паста. В этом случае очень трудно делать плавные гладкие градиенты и сложно вообще размазать его по поверхности. Гамма как раз с комками и слишком густая, причем в каждом тюбике краска будет разной по консистенции.

Для того, чтобы попробовать, не обязательно покупать 100500 цветов сразу, акрил хорошо смешивается и набора в 6-12 цветов может оказаться вполне достаточно.
По своему опыту советую избегать ультрамарина в качестве базового синего цвета, лучше взять что-нибудь вроде голубой ФЦ или кобальта синего. Также стоит подобрать нейтральную зелень — зеленую среднюю например. Белила самые лучшие титановые, они не желтеют со временем. Вот идеальный на мой взгляд набор для новичков, очень бюджетный по цене и отличного качества.


Есть еще такой момент — если у вас предполагается темный фон, не закрашивайте все полотно. Лучше оставить незакрашенными те участки, которые должны быть другого цвета. Акрилом очень сложно перекрываются темные цвета типа черного и темно-синего. В противном случае придется закрашивать объекты белым и лишь после этого писать поверх нужным цветом.

Акрил прекрасно сочетается с другими материалами, например маркеры, тушь, цветные ручки, та же акварель, пастель. Возможности практически безграничны, поэтому акрил так любят художники работающие в технике mixed-media.

Акрил почти не отмывается с одежды, поэтому фартук может оказаться очень не лишним.

Напоследок в галерее несколько дополнительных картинок в разных техниках, все картинки в посте взяты с пинтереста.

Несколько приемов рисования тушью и линерами

Прочитала тут статью, где Thomas Fluharty рассказывает несколько новых приемов работы линерами и тушью (к акварельным карандашам тоже применимо на мой взгляд), решила законспектировать основные моменты в вольном пересказе, возможно кому-то это тоже будет интересно. Сам Томас как художник меня не очень привлекает, у него слишком много работ в шаржевой технике от которой я далека, тем не менее некоторые его скетчи выглядят просто шикарно, в галерее есть примеры, которые мне особенно нравятся (там еще и карандаш с углем, кроме туши).

Томас говорит, что для рисования скетчей он использует перо и водостойкую тушь, потому что перо позволяет варьировать толщину линии и дает большую свободу в рисовании.
Для того, чтобы изобразить более темные части, можно использовать толстые темные штрихи, тогда как для светлых мест отлично подходит тонкая светлая штриховка. Но кроме пера интересно использовать и другие материалы, например толстые маркеры для теней, которые сразу дают темную закрашенную поверхность. Мне очень нравится техника изображения шара, где линия утолщается внизу и становится тоньше вверху в зависимости от расположения света и тени. Вроде и просто, а гениально лично для меня.


Кроме черного цвета есть еще и другие, например синий для облаков или для реки, Томас призывает исследовать все возможности своих инструментов. Даже то, что ручка размывается водой можно превратить в преимущество.



Один из главных моментов в рисовании — держать перо или любой другой инструмент свободно, в этом случае линии получаются более естественными и пластичными, а значит и результат будет более живым.



Кроме обычного использования чернил или карандаша, можно добавить к ним воду и получить некоторое подобие монохромной акварели. Кстати вот тут я рассказывала про чернографитные акварельные карандаши, может тоже получиться очень интересно.



Еще интересный момент, что с помощью туши можно создавать как гладкие, так и текстурные заливки просто изменяя количество воды.



Необычный результат может дать засохший маркер или фломастер, обычно их линии очень рваные и с их помощью так же можно добавить рисунку текстурности.



Тушь — довольно сложный материал, который обычно требует поставленной руки, поэтому не все могут рисовать без предварительного рисунка. Томас предлагает сначала попробовать рисунок карандашом для изучения формы, а потом уже браться за чернила или тушь.



Все советы кажутся простыми и очевидными, но сухие маркеры и вариативные заливки из туши меня просто покорили. Страшно хочется попробовать изобразить что-то тушью и срочно применить все на практике, но я пока берегу силы и наращиваю желание.

Под конец вот вам супер видео рисования, по-моему очень круто!