Школа рисования

+103.86
150 читателей, 24 поста

Антикризисный пост. Что купить в обычном канцелярском магазине

Меня очень привлекает идея поиска качественных товаров в самых обычных канцелярских магазинах. Конечно я не имею ничего против профессиональных товаров за много денег, но во-первых их не всегда можно достать, а во-вторых стоимость их, мягко говоря, обычно высока. Поэтому для людей, живущих не в столицах и только начинающих рисовать, или не желающих разориться на рисовательных принадлежностях и пишу этот пост. В нем собраны все более менее удачные находки из самых обычных канцтоваров, которые наверняка можно найти в большинстве городов. Если вам что-то попадалось, но этого нет в посте — пишите, обязательно добавим.

Простые чернографитные карандаши. Лучше всего выбирать желтые Koh-i-noor, они обычно бывают везде и сделаны довольно качественно. Бывают как поодиночке, так и наборами. У них хорошая древесина — не скалывается при затачивании и грифель без камушков.


Можно еще обратить внимание на марку Stabilo — лично я их очень люблю за трехграные карандаши, они мягкие, яркие и удобные.

Вот такой толстенький простой карандаш для левшей, для меня правши очень даже хорош.

Ластики — знаменитый со слоном у меня после довольно недолгого лежания высыхает, зато альтернатива в виде Milan очень радует. Это мягкие ластики, почти не травмирующие бумагу, хорошо стирают, правда специфически пахнут. Еще их легко разломить и протереть острым кончиком тонкие линии. Бывают всяких форм цветов и размеров, пробовала разные — все хорошие.

Относительно точилок — у меня есть вот такая Faber Castell — мне нравится, подходит для двух толщин карандашей, удобно складывается и тоже катается со мной в путешествия, точит даже спустя уже много лет.


Акварельные карандаши Koh-i-noor Mondeluz мои вечные спутники, очень их люблю, отлично размываются, красивые яркие цвета, относительно недорогие, в общем рекомендую. Я постоянно таскаю их с собой по поездкам, так что они пережили огонь воду и медные трубы. Можно выбрать наборчик с тем количеством, которое вам понравится.


Разноцветный карандаш Magic от все того же Koh-i-noor. Очень красивые, необычные карандаши, при определенных умениях даже простые рисунки ими могут быть очень красивыми. Еще они забавные и мягкие.


Альбомы для черчения Hatber — идеальные компаньоны для тех, кто рисует линерами. У них плотная гладкая бумага, сами альбомы бывают разных размеров до А3, есть удобная перфорация, для того, чтобы вырвать лист. Сами они на пружине, так что легко отсканировать нужный лист.


Цветная бумага для принтера — гораздо плотнее обычной, есть приятные цвета, на ней хорошо рисовать, когда обычная надоела)


Белая гелевая ручка. В какой-то момент стала экзотикой, но раньше попадалась часто. Может быть самой простой, значения не имеет — все белые пасты рисуют одинаково белым. Удобно ставить белые блики на акварели, поправлять мелкие ошибки и рисовать на цветной бумаге.


Калька. Незаменимая для меня штука, бывает с шершавой и гладкой поверхностью, продается листами и рулонами. Может быть плотнее или тоньше, в любом случае пригождается для черновых работ, оборачивания пастелей, рекомендую в общем. У меня вообще вот такая)


Маркеры для CD — люблю их за тоненькие кончики и насыщенный черный цвет. Еще из маркеров люблю Edding — всегда очень качественно, если разные кончики и цвета, можно найти почти везде.


Зажимы для бумаг или биндеры — у меня они по всему дому, закрепляю все. Находятся везде, даже в супермаркетах.

Гуашь — я предпочитаю то, чем рисовала в художке, а именно гуашь от ЗХК Мастер-Класс. У нее есть неприятная особенность иногда плесневеть со временем, но тем не менее я считаю ее одной из лучших. Она почти всегда густая по консистенции и не превращается в камень со временем. Еще у нее более менее вменяемая палитра и большие достаточно банки (с жутко неудобными крышками)


Тушь от Гаммы — говорили про нее уже много раз, лучше оставить на 2-3 дня открытой, чтобы подвыветрилась и стала более концентрированной. Бывает еще синего цвета, довольно красивая, а также зеленая, желтая и красная.

Я не стала писать про акварельную и пастельную бумагу — это будет как-нибудь отдельный пост. К сожалению я почти не нахожу приличных скетчбуков и альбомов, везде очень неприятная некачественная бумага. Если вам что-то попадалось — расскажите.

Анатомия по косточкам

Специально для всех рисующих людей, лучшие лекции по анатомии от Александра Рыжкина. Смотреть и пересматривать надо по многу раз, чтобы все уложилось. Человек разобран буквально по косточкам весь.
Сразу скажу, каждая лекция идет примерно три часа, я смотрела по несколько дней переваривая каждый кусочек. Если смотреть все сразу, может случится переизбыток анатомии.
Рыжкин анатом из МГХПА им. Строганова, учился у Романа Куриляка, который учился у Готтфрида Баммеса (и перевел совместно с женой его книгу на русский), лет 8 преподает в разных худвузах пластическую анатомию, крупный специалист в области, активно практикующий график, живописец и скульптор. А самое главное, что рассказывает простым и понятным языком для всех. Лекции интересны даже просто для расширения кругозора и знаний о собственном теле.



Лекция про строение головы, рассказывает все мыслимые и немыслимые детали для портретов. Рассказ строится от костей к мышечным особенностям. Рассмотрены возрастные изменения лица.



Лекция про строение тела (позвоночник и таз). Также от костей к мышечному строению. Рассказывается про особенности мужской и женской фигуры, про людей с разной массой тела. Основные моменты все показаны на зрителях из зала.



Лекция про конечности. Пока посмотреть не успела, но думаю все так же на высоте.

Что нужно знать, чтобы хорошо рисовать?


Почти все начинающие иллюстраторы и художники, особенно те, что учится самостоятельно, сталкиваются с огромной кучей всего, что нужно уметь. Информации очень много, она часто друг другу противоречит и хочется изучить все и сразу. Поэтому я решила в одном месте собрать список тех знаний, которые стоит изучить в рисовании со своими коротенькими комментариями. Большинство из этих пунктов предполагает исследования и поиск чего-то индивидуального, подходящего именно вам, как автору. Прелесть в том, что все эти пункты не зависят от техники в которой вы планируете рисовать и пригодятся как цифровым художникам, так и тем, что рисует традиционными материалами.

1. Пропорции
Это соотношение размеров всех объектов на рисунке.
Зная правильные пропорции и соотношения легко экспериментировать с их изменениями в поисках своего стиля или своих особых фишек. Часто пропорции в рисунке изменяют осознанно, чтобы показать например близость персонажа на переднем плане или сложную позу, но без знания классики делать это сложно.
Понять пропорции хорошо помогает скетчинг на улице, где много разных объектов разного размера (высокие дома и идущие люди например). Да и дома можно найти объекты для тренировки.

2. Перспектива
Это искусство передавать трехмерное пространство на плоской поверхности.
Главное, что стоит изучить, это сетка перспективы, как простые формы (кубики, шары и т. п.) ведут себя в перспективе и как сохранить пропорции. Чтобы понять перспективу, можно взять просто предмет, например коробку и попробовать изобразить ее с разных ракурсов, при этом обращать внимание как ведут себя грани, углы и куда они сходятся. Позже можно переходить к более сложным упражнениям, например рисуя предмет с одного ракурса, дорисовывать как он выглядит еще с нескольких ракурсов, мысленно поворачивая его в голове.

3. Анатомия
Вообще это изучение структуры и речь не только о человеческой анатомии, но и о животных, растениях, технике и так далее.
Каждый объект раскладывается на простые формы и изучается их соединение и механизм работы. По анатомии человека и животных написано много книг. Мне оптимальными кажутся книги Баммеса и Сары Симблет. Сюда же стоит добавить изучение поз. Чтобы схватывать движения на лету, ежедневно стоит делать быстрые наброски на несколько минут с фиксацией направления движения и расположения частей объекта.

4. Освещение
Понимание расположения света и тени, помогает создать иллюзию освещения, отобразить правильные тени, «поставив» объект на поверхность, достичь объема и передать настроение.
Начинать стоит с черно-белой карандашной практики, постепенно переходя к цвету. Сосредоточиться надо на отбрасывании теней, влиянии материалов поверхности, отражении света, характеристиках света (преломление, рассеивающие материалы и т. д.).

5. Композиция
Это расположение элементов рисунка.
Благодаря интересной композиции можно передавать чувства и эмоции с помощью рисунка.
Есть определенный набор ракурсов, по разному влияющий на зрителя. Мне помогает схематичный скетчинг удачных композиций из инстаграмма. Много полезного материала можно найти в комиксах — там композиция играет очень важную роль.

6. Цвета
Работа с цветом — это искусство выбора правильных оттенков (средние тона, тени, свет).
Цвет может добавить движения, настроения и эмоций вашей работе.
Базовые знания обычно составляют цветовые системы (монохроматические, комплементарные и т. п.), цветовой круг, особенности влияния цветов на настроение, стереотипы.

7. Линии
Линия может быть как вспомогательной, так и ведущей в рисунке, она может облегчить чтение работы, разделить объекты и фон, усилить эффект глубины.
Здесь стоит экспериментировать с материалами и техникой линий — толстые, рваные, с изменяющейся толщиной и так далее. Линии могут быть и монохромными и цветными.

8. Идея
Процесс разработки концептов и ассоциаций.
Главное здесь — знать как работают вещи, как создавать новое, ассоциации идей, веселые ситуации, творческий процесс. Есть еще важный момент — читаемость идеи. В большинстве ситуаций она должна быть понятна большинству без объяснений. Если идею приходится объяснять, над ней стоит еще поработать.

9. И наконец стиль
Это то, что отличает наши работы друг от друга. Не так давно публиковалась хорошая статья по поиску своего стиля, поэтому не буду много писать. Но вообще стиль — сложное понятие, соединяющее в себе собственный вкус, культуру и жизненный опыт каждого отдельного человека.

Надеюсь этот список необходимых знаний поможет новичкам) Если я что-то забыла или вы знаете крутые упражнения по какому то из пунктов — поделитесь в комментариях своими соображениями.

Техника рисования маркерами


Решила собрать общие принципы рисования, пост будет полезен тем, что собирается попробовать рисовать маркерами и не знает с чего начать. Все картинки в посте с просторов интернета.

Речь пойдет о рисовании спиртовыми маркерами в основном. Напоминаю: главное отличие спиртовых маркеров в том, что они заправляются спиртосодержащими чернилами и когда ими рисуешь краска очень быстро сохнет и не коробит бумагу.

Есть несколько основных техник:

Читать дальше...

Рисование тушью — часть 2 про инструменты

Тушь хороша тем, что ей можно рисовать по-моему абсолютно любыми инструментами. Я расскажу про то, что пробовала или планирую попробовать сама, а в частности про перья, рапидографы, кисти и нетрадиционные материалы. Про бумагу и тушь я уже немного говорила в предыдущем посте, так что углубляться не буду.



Читать дальше...

Рисование тушью — часть 1

До того, как я попробовала рисовать инктобер, тушь для меня была скучным и непонятным материалом. Как же я ошибалась. В процессе рисования я открыла много интересных деталей и нюансов, о которых хотела бы рассказать и заразить всех своей новой любовью к туши.


Читать дальше...

Упражнения для освоения плашета

Люди, покупая свой первый планшет, часто сталкиваются с проблемой неровных линий и сложностями привыкания к тому, что рисуешь в одном месте, а результат видишь в другом.
Специально для начинающих есть несколько упражнений, которые помогут сделать ваше линии плавнее, естественнее и ровнее. Годится кстати не только для рисования на планшете, но и вообще для рисования в целом. На эту тему подробно уже есть отличный пост.





4 простых упражнения для развития творческого мышления



Нашла очень интересную статью с упражнениями от Берта Додсона для снятия творческих блоков и расширения личных горизонтов. Так как упражнения действительно хорошие, делюсь вольным пересказом найденного.

Итак, если вас неожиданно накрыл творческий кризис или вы просто хотите выйти из зоны комфорта, попробуйте акцентировать внимание на разных свойствах рисуемого объекта. Точно нарисованный объект помещает зрителя в контакт с этим объектом на буквальном уровне — мы точно знаем что такое, например стул, и для чего он используется. Преувеличенный или искаженный рисунок одного и того же объекта имеет тенденцию касаться зрителя эмоциональным уровнем, предлагая им увидеть его по-новому. Это странно для зрителя и притягивает его внимание, открывает что-то новое как в художнике, так и в том, кто смотрит на рисунок.

Изменяйте пропорции
Такие рисунки похожи на шаржи, но как раз этим и цепляют. Мы понимаем различия, сравнивая. Если вы хотите сделать что-то большим в своем рисунке, поставьте его рядом с чем-то маленьким. Если у вас есть только один объект, детали должны контрастировать друг с другом.

Расширение некоторых частей вашего предмета создает преувеличенный акцент, выразительно привлекающий внимание к определенным аспектам человека или животного. Результаты могут быть забавными или тревожными, но почти всегда привлекают внимание.




Подчеркните разницу
Разница — это информация. Мы знаем о вещах, потому что они выделяются на их фоне. Один из способов сделать знакомым странным — подчеркнуть различия. То есть, нарисовать два элемента на чертеже и раздвинуть различия между ними до крайностей. Вот, например два человек — толстый и худой. На самом деле разница между ними не так огромна, но доведя ее до крайности можно получить совершенно новый сюжет.



Играйте с масштабом
Иногда бывает интересно сделать сложный рисунок из разных источников и дико преувеличивать разницу в размерах. Здесь очень интеллектуальный пример, художник Гюстав Курбе на месту водителя лимузина рядом с маленькой девушкой. Рисунок останавливается, потому что зритель понимает, что Курбе — гигант как в прямом так и в переносном смысле. Именно так и рождаются метафоры, на которых строится хорошая иллюстрация.



Силовое искажение
Многим художникам, даже опытным специалистам, трудно преднамеренно искажать их рисунки. Как это ни парадоксально, хорошая тренировка в наблюдении может препятствовать способности рисовать выразительно. То есть вы будете просто рисовать как фотоаппарат не привнося при этом в рисунок ничего нового. Есть процесс, который может помочь вам вырваться из этого ограничения. Это почти гарантирует более экстремальный и часто поразительный образ.

На первом шаге вслепую и не глядя нарисуйте основные контуры вашего объекта жирным черным маркером. По мере того, как вы рисуете, держите глаза на предмет (или фотографию), а не на рисунке. Возможно, вам придется время от времени поглядывать на свой лист, чтобы не выйти за его пределы, но главное не увлекаться.



Когда вы закончите контур, перейдите к шариковой ручке и начните тщательно заполнять затенение и детали, теперь свободно глядя на предмет и свой рисунок. Естественное искажение, которое происходит, когда вы рисуете вслепую, гарантирует, что никакое реалистичное затенение не сделает ваш рисунок точным. Использование же маркера и ручки не дает вам колебаться и бояться ошибок.



Мне нравятся все приведенные упражнения тем, что они заставляют анализировать и наблюдать, расширяют способности и все очень небанальные. Уверена, что все они действительно дают некоторую свободу и открывают новое для любого человека, даже тех, что рисует уже долго.

Надеюсь, они понравятся и вам.

Как нарисовать круг в перспективе


Вопрос важный не только для новичков, но иногда и для опытных художников. Понимая как правильно рисуется круг в перспективе мы можем нарисовать огромное количество предметов, не только горшки и тарелки.
В общем краткая суть: обычно мы редко видим круглые предметы фронтально. Например тарелку вот так



мы видим гораздо реже, чем вот так.



Поэтому нам нужно понимать, как правильно изобразить тарелку в перспективной горизонтальной плоскости. Для этого есть простая схема.


Самое главное слева. Мы видим овалы и линию горизонта, относительно которой и рисуем обычно все объекты. На уровне линии горизонта овал либо превращается в линию, либо очень узкий. Чем выше или ниже, тем овал становится круглее, все линии которые ближе к нам по закону перспективы будут толще, все, что дальше — тоньше. Если овал сильно ниже уровня зрения, он может становится почти круглым. Очень наглядно это можно увидеть, взяв моток скотча, вашу идеальную натуру для отработки этого навыка. Поднимаем моток на уровень глаз — в идеале мы увидим прямоугольник, поднимаем выше и ниже и сразу видим наглядно все изменения.
В вертикальной плоскости история абсолютно такая же, только схему надо перевернуть на 90 градусов.

Таким образом нам становятся подвластны все тарелки и горшки, смотрим на предыдущую картинку тарелки, с учетом новых знаний.



Можно нарисовать еще один овал чтобы показать толщину тарелки, конечный результат зависит от вашей наблюдательности. Навык рисования овалов очень хорошо тренируется в детальном рисовании простых предметов, отлично подходит на первых порах все тот же моток скотча например.

При рисовании овалов есть еще одна часто встречающаяся ошибка. Многие рисуют вместо овала две дуги. Этого нельзя допускать, даже если ваш овал очень узкий, всегда рисуем скругления в углах.



Со временем вы будете прекрасно находить перспективу практически в любом объекте.







Ну а после того, как круги надоедят, можно пробовать рисовать квадраты — принцип тот же самый. Есть правда нюанс с точкой схода, но об этом в другой раз.



Надеюсь больше у вас не возникнет проблем с кругом в перспективе и ваши рисунки будут правильными и точными. Кроме этого поста можно посмотреть так же упражнения для освоения планшета, которые помогут вам быстро рисовать красивые ровные овалы, круги и другие геометрические фигуры.

Как повысить свой уровень художника?

Вопрос, на самом деле, терзающий меня уже долгое время. Потому что в какой-то момент оказывается, что материалов для новичков много, а если хочешь как-то углубить свои знания или найти что-то новое приходится очень глубоко копать и частенько обламываться. Поэтому прочитав статью Роба Чанга про 10 правил для повышения своего уровня, спешу поделиться. На мой взгляд это очень вдохновляющие советы, которые действительно могут помочь, хотя, казалось бы, лежат на поверхности. Речь идет не только о художниках, но и вообще о творческих людях.

Итак, вы уже много знаете, умеете, но чувствуете, что топчетесь на месте — что же надо делать в этом случае?



1. Изучить самые базовые основы, если вы еще не сделали этого. Теория композиции, цвета, знания об анатомии и пропорциях необходимы на практике. Увы, вы не можете назвать себя компетентным художником, пока вы не сделали этого. В идеале кроме теории все эти знания должны войти в практику, однако многие художники/иллюстраторы всем этим пренебрегают, считая это скукотищей. Кстати по своему опыту могу сказать — вдумчивое изучение основ реально может подарить вам кучу идей и продвинуть вперед.

2. Вырваться из зашоренности. Если вы одержимы аниме, мангой, комиксами, фотореализмом, или каким-либо определенным стилем, и не желаете при этом исследовать и изучать другие художественные направления, стили, культуры и периоды времени, то вы попадаете в своеобразный туннель, каждый раз бегая по кругу и производя одно и то же. Самое же интересное получается из смешения разного и находится на стыке разных областей.



3. Не быть бездумным художником. Это, пожалуй, самый важный для большинства совет. Подумайте о том, почему вы занимаетесь творчеством (и занимаетесь ли им вообще). Является ли вашей единственной целью нарисовать что-то, чтобы показать это в инстаграме или продать? Есть ли вам что сказать? Что, если ваше «творчество» полностью одноразовое и бессмысленное? Если вы обслуживали только самые низшие уровни удовлетворения, никогда не используя высших побуждений, таких как интеллект или эмоции, то, возможно, пришло время копать немного глубже. У вас есть душа — используйте ее. Это не только об абстрактном понятии «глубины» — это о качестве. Вспомните разницу между классическими добрыми комедиями и дешевым тупым трешом.

4. Не копировать бездумно реальность. Для точной передачи окружающих вещей люди создали фотоаппараты, принтеры и сканеры. Художник и иллюстратор как раз интересен тем, что может привнести что-то новое, показать мир через призму своих взглядов, чувств и мыслей. Мы можем стилизовать, преувеличивать, упрощать, идеализировать, использовать абстрактные и сюрреалистические подходы — так почему же не использовать все это?



5. Не зацикливаться на отполированности и безупречности своих работ. Свободные или четкие линии кисти, наброски или простые линии — ваш выбор. Намного важнее внутренняя структура и базовые знания. Рисование представляет собой непрерывный эксперимент, и постоянно меняется и развивается. Хороший художник должен быть в состоянии использовать все виды материалов, разные методики работы, разные поверхности. Поступая таким образом, вы получите представление о том, как что работает и сможете выражать себя более полно и разнообразно.

6. Не тренироваться бесцельно. Бездумное рисование дудликов в блокнотах расслабляет и забавляет, но вряд ли поднимет ваши умения на новый уровень. Вы должны достигать того, чего еще не умеете, а не делать то, что уже можете делать даже с закрытыми глазами. Найдите свои слабые места и планомерно занимайтесь их прокачиванием, только в этом случае будет рост. Анализируйте ошибки, избегайте тратить время на вещи, которые не служат очевидной цели. Обратите внимание на структуры и модели — будь то научные физические законы нашего мира (свет, тени, цвета и напряжения сжатия точек ткани и т.д.), или творческие подходы, которые дают наиболее эффективные результаты (использование контраста в цвете, характер штрихов и т.д.).

7. Иметь реалистичные ожидания. Даже если вы будете рисовать 24 часа, вы не научитесь рисовать за одни сутки. Это занимает годы упорной и умной работы. Художники не просто рисуют несколько десятков голов, а затем получить право рисовать портреты — они постоянно практикуют навык, изучают форму на протяжении многих лет, десятилетий, и они не делают это бездумно. И это только человеческая голова.

8. Учиться воспринимать критику. Художник живет среди других людей, получайте комментарии, и если вы не можете принять критику вы будете несчастны. На самом деле это прекрасный материал для вашего роста. Когда вы получаете положительные и отрицательные комментарии, будьте благодарны. Если вы не можете увидеть ничего за пределами вашего эго — вы будете напрасно страдать, причем по своей же вине и из-за своей глупости.

9.Быть человеком с широким кругозором. Узнайте о мире, в котором мы живем — история, политика, религия, экономика, наука, литература, музыка, фотография, кино… и целый океан интересного. Вы будете удивлены, как многие вещи взаимосвязаны, даже если мы не замечаем этого. Интеллектуально и эмоционально неразвитый человек мало может предложить миру, как творец искусства. Мыслите открыто, будьте общительны и образованны.



10. Вы можете не стать хорошим художником. Если вы нетерпеливы, не может сидеть на месте, быстро теряете фокус, легко разочаровываетесь, у вас нет мотивации, вы не может принимать критику, хотите только мгновенного удовлетворения, и не желаете трудиться, то вы не станете хорошим художником. «Талант» не является решающим фактором, если вы не можете работать над собой, упорно преодолевать трудности, разочарования, чувство ненависти к самому себе, и уныние, которые будут определять ваши шансы на успех. Вы должны мысленно представить весь путь. Однако это не делает вас плохим человеком, вы можете заниматься чем-то еще и получать удовольствие.

Как вы можете видеть, эти советы охватывают не только практические проблемы того, как стать хорошим художником, но и эмоциональные, психологические и философские аспекты. Основная цель быть думающим, мыслящим целостным и адекватным человеком, а это требует долгой работы над собой и очень сложно на самом деле.

А как вы повышаете свой уровень?