Сегодня у меня рассказ про очень утонченную художницу эпохи прерафаэлитов. Напоминаю что все мои искусствоведческие истории можно почитать по тегу женщины в искусстве.

Джоанна Мэри Бойс (в замужестве — Джоанна Мэри Уэллс) - художница родом из Англии и младшая сестра известного прерафаэлита Джорджа Питера Бойса.

Родилась в семье бывшего виноторговца, позже ставшего ростовщиком. В 1849 поступила в художественную академию Фрэнсиса Стивена Кэри, затем обучалась в государственной школе рисунка в Лондоне, в 1855 году переехала в Париж для дальнейшего совершенствования в живописи под руководством Тома Кутюра.

Смерть ее отца в 1853 году была значительной потерей, потому что мать отговаривала ее от того, чтобы быть художником. Джоанна была убита горем и написала:

Я начала рисовать свои наброски неудовлетворительно - бездельничать - чувствовать, что мне не хватает энергии - дорогих ободряющих глаз моего дорогого отца, которому одному я была уверена, что доставляла удовольствие (Нанн, из тетрадей Джоанны 150)

Уже в самых ранних работах Бойс в полноте раскрылся её талант. В 1855 году впервые участвовала в выставке Королевской Академии художеств, где представила свою картину «Elgiva», которую один из виднейших представителей прерафаэлитизма Форд Мэдокс Браун назвал лучшей работой экспозиции. Джон Рескин, знаменитый художественный критик и теоретик прерафаэлизма, также отмечал незаурядные качества этой работы. Работа на мой вкус действительно хороша и в ней есть что-то печальное и чарующее. В 1856 художница познакомилась со своим будущим мужем, художником и издателем «Saturday Review» Генри Уэллсом, который предложил ей написать несколько обзоров европейских выставок для его газеты. В 1857 году они вместе предприняли поездку в Италию и во Францию, а в конце года поженились.

Перед возвращением в Англию, она написала большую картину на тему крестового похода детей, выставленную в Королевской Академии художеств в 1859 году.

Прекрасная портретистка, пейзажист, автор ряда жанровых и исторических полотен. Портрет годовалого сына Сиднея, датированный 1859 годом — одна из самых лучших работ в творчестве Дж. Бойс.

15 июля 1861 года, из-за осложнения после рождения третьего ребёнка, Джоанна Бойс скончалась от желудочно-кишечной лихорадки в Лондоне в возрасте 30 лет.

Критик Уильям Россетти, отзываясь на смерть Джоанны Бойс, назвал её «лучшей среди живописцев, когда-либо державших кисть в женской руке».

Значительная часть творческого наследия художницы погибла во время бомбардировок Лондона во время Второй мировой войны.

Мне кажется в этой истории есть подлинный драматизм в том, что человек, который по-настоящему был талантлив и необычен, сначала банально не успел написать много шедевров, а потом еще и часть прекрасного наследия была утрачена. В картинах Джоанны Мэри есть что-то такое искреннее и цепляющее, что-то простое и одновременно неуловимое. На мой взгляд она заслуживает быть узнанной и знаменитой.

#портрет #женщины_в_искусстве #художница #джоанна_мэри_бойс #прерафаэлиты #история #искусствоведение

Нашла очень приятные уроки, подойдут для новичков. На выходе получаются симпатичные работы. Знание языка не требуется, автор пользуется активно маскировочной жидкостью, бумагу лучше брать хлопок, но на целлюлозе может тоже получиться.

#видео #акварель #туториал #цветы #новичкам #полезное

Мне очень нравится эта художница, ее работы всегда лаконичные, яркие и элегантные. Рисует она в традиционном стиле се-и минеральными красками на рисовой бумаге. Рекомендую попробовать повторить для расслабления, хорошего настроения и внутренней гармонии - гораздо лучше так нелюбимой мной Джин Хейнс. Несмотря на то, что Нан изначально не китаянка, в ее работах чувствуется стиль, они выразительны и просты как и аутентичные китайские работы.

Больше видео на канале автора.

#азия #китайский #се-и #китайская_живопись #минеральная_краска #цветок #рисование

Идея, на мой взгляд, блестящая во всех смыслах - природе вреда нет, выглядит просто нереально и вариаций любых и предсказуемых огромное множество. Помимо бонсаев художник делает много фигур с животными, птицами, насекомыми, все очень красивое и минималистичное. Сделано из боросиликатного стекла техникой лампворка.

Инстаграм автора.

#современные_художники #животные #стекло #simone_crestani #бонсаи #лампворк #современное_искусство

Вообще я хотела написать про художницу эпохи прерафаэлитов, но потом случайно узнала, что сейчас в Пушкинском музее идет выставка работ Артемизии Джентилески и подумала, что возможно рассказать о ней именно сейчас самое время. Выставка продлится до 31 марта, советую приобщиться к искусству, особенно после того, как вы узнаете всю историю. Все истории про женщин художниц читайте по тегу #женщины_в_искусстве. Осторожно, в посте есть обнаженная натура. Артемизия Ломи Джентилески жила в эпоху барокко и была дочерью известного в то время караваджиста Орацио Джентилески. Родилась в Риме 8 июля 1593 года, в то же время в её свидетельстве о рождении из городского архива указано, что она родилась в 1590 году. Мать, Пруденция Монтоне умерла, когда дочери было двенадцать. Как и во многих подобных семьях того времени Артемизия с ранних лет училась живописи у отца и достигла довольно больших успехов. Например одна из ее самых известных картин - «Сусанна и старцы» - написана ей всего лишь в 17 лет. Картина объективно настолько хороша, что долгое время ее считали работой отца, но на ней явно указана подпись автора - Артемизия Джентилески. Эта смелая работа ломала негласные табу, согласно которым художники-женщины могли творить только в жанре натюрморта и портрета.

С именем Артемизии связан громкий скандал, за который ее обожают феминистки. Орацио Джентилески обратился к пейзажисту Агостино Тасси, с которым в то время сотрудничал, с тем чтобы тот обучил Артемизию искусству перспективы. И тут начинается вполне душераздирающая история, ставшая поводом для судебного разбирательства. Агостино Тасси, известный своим буйным и жестоким нравом, изнасиловал юную ученицу.

Сохранилось довольно много документов, имеющих отношение к этой печальной истории и много подробностей. Из искового заявления Орацио понятно, что Тасси, обесчестив Артемизию, подло водил ее за нос, обещав на ней жениться. В Италии был такой особый «случай» вступления в брак — nozze di riparazione, когда из соображений чести соблазнивший девушку мужчина венчался с ней в церкви. Видимо, это как-то связано с древнеримским обычаем похищать будущих жен (похищение сабинянок). Отец Артемизии был в курсе происшедшего и надеялся, что брак состоится, он даже передал Агостино Тасси несколько картин (видимо, Тасси должен был писать пейзажные фоны), о чем также говорится в судебном иске. Однако Тасси к тому времени был давно женат, о чем не подозревали ни Артемизия, ни ее отец. В итоге унизительный процесс закончился наказанием Тасси, он был признан виновным и приговорён к году тюрьмы, но отсидел лишь 8 месяцев и был отпущен.

В результате переживаний этого периода появляется еще одна яркая картина Артемизии - «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» (1612—1613). На ней все выглядит довольно кровожадно - ручьи крови на белых простынях, искаженное лицо Олоферна и железная хватка Юдифи. Выглядит как месть и ярость и зная, что предшествовало написанию картины, автора можно понять. Артемизия в течение всей жизни питала особый интерес к изображению либо женщин, подвергшихся мужскому насилию (Сусанна, Вирсавия), либо героических женщин, которым удалось одержать верх над мужчинами (Юдифь, Эсфирь).

После суда Орацио выдал Артемизию замуж за одного из своих должников — живописца Пьерантонио Стьяттези, и пара переехала во Флоренцию. Там талант молодой художницы расцвёл при дворе великого герцога Козимо II Медичи. Она познакомилась с Галилеем, и отразила в своих работах его открытия в астрономии. В конце концов, Артемизия Джентилески стала первой женщиной, избранной членом престижной Академии живописного искусства во Флоренции. К сожалению из-за долгов мужа, паре пришлось уехать из Флоренции. Так как пейзажи и перспектива не были ее сильной стороной, многие сложные задние планы ее картин написаны другими художниками.

В течение жизни Артемизия много переезжала, писала фрески, родила четырех детей, оплачивала многочисленные долги мужа и прожила долгую жизнь. В последние годы жизни у Артемизии заказов было мало, денег не хватало, незаметно прошла и былая слава. Этим, скорее всего и обусловлено незнание точной даты смерти художницы. Одно из предположений, что её, как и целое поколение неаполитанских художников, унесла чума 1656 года.

Интересно, что интерес к жизни и работам Артемизии Джентилески возник сравнительно недавно и все из-за романа. Роман об Артемизии был написан в 1944—1947 годах итальянской писательницей Анной Банти, в окончательной версии он приобрёл форму дневника, имел большой успех, переведён на несколько языков. После этого историю художницы много раз экранизировали, по ней ставили пьесы и писали книги. Хотя еще в 1916 году крупнейший исследователь Караваджо итальянский искусствовед Роберто Лонги справедливо подчеркнул роль художницы в распространении караваджизма в северной Италии, долгие годы ее искусство рассматривалось лишь с точки зрения воинствующего феминизма.

Как считают многие эксперты, по яркости красок и напряжённости драматического повествования картины дочери намного превосходят работы её отца.

В декабре 2017 года ранее неизвестная картина «Автопортрет в образе святой Екатерины» была продана в парижском аукционном доме Drouot за рекордную для этого автора сумму в €2 360 600. Предыдущий ценовой рекорд на полотна Артемизии составлял $1 200 000, который удалось выручить за картину «Мария Магдалина в экстазе», которая также была найдена во Франции и продана на Sotheby’s в 2014 году. Кстати вот эта картина

На сегодняшний день точно известно всего 34 работы, принадлежащие кисти Артемизии Джентилески. Однако так как многие работы в те времена подписывались именем мужчин, учителей и так далее истинное число ее шедевров остается загадкой.

Вот такая история из эпохи барокко ❤️

#искусство #артемизия_джентилески #барокко #интересно #история #женщина #женщины_в_искусстве #искусствоведение

Думаю, пост будет очень полезен новичкам и даже тем, кто уже давно рисует. Если смотреть внимательно, то на этикетках указано очень много информации, которая может серьезно помочь. Я буду рассказывать на примере акварели, но на самом деле так же считываются акрил, масло, гуашь, прочие краски, цветные карандаши и другие материалы.

Первое, что вас всегда должно интересовать - это пигменты. Чем они натуральнее и мельче перетерты, тем дороже будет краска. Многие советуют пользоваться однопигментными или монопигментными красками - это неплохой совет, такой подход позволяет избежать грязи и мутности в работах. Но по своему опыту могу сказать, что некоторые не монопигментные цвета тоже очень красивы и их бывает долго/сложно смешивать самостоятельно, поэтому не избегайте их совсем. Нужно найти на этикетке что-то похожее на такое - PY151 или похожие обозначения, их может быть несколько.

Первая буква всегда P - пигмент, дальше как правило идут еще буквы и цифры (номер пигмента), групп пигментов есть несколько:

• PW-pigment white(белый пигмент)
• PY-pigment yellow (желтый )
• PO-pigment orange (оранжевый)
• PR-pigment red (красный )
• PV-pigment violet (фиолетовый)
• PB-pigment blue(голубой или синий )
• PG-pigment green(зелёный )
• PBr-pigment brown(коричневый)
• PBk-pigment black(чёрный)

Зная это, вы можете ориентироваться в наших и зарубежных красках, потому что палитры бывают неидентичны, и разбираться в похожих на первый взгляд цветах, которые совершенно по разному смешиваются. Еще так можно сэкономить на цветах, которые получаются смешиванием. Например:

Мы видим, что Кадмий желто-оранжевый PY37, PO 20 состоит из двух пигментов или красок - Кадмия желтого темного PY37 и Кадмия оранжевого PO 20, смешав их мы получим тот самый желто-оранжевый Кадмий.

Бывает иногда еще указаны цифры через двоеточие - это соотношение пигментов, касается в основном белого пигмента, сколько его частей в готовой краске.

Буквами А, В, С и так далее указывается серия пигмента, часто встречается у корейских красок, чем выше буква, тем дороже пигменты в составе и дороже сама краска.

Так же имейте ввиду, что состав одного и того же цвета у разных производителей может быть разным. Например Индиго у Daniel Smith - PB60, PBk6 (голубой пигмент №60 и черный №6), а у Schminke Индиго - PB 15:1, PB 66 - голубой пигмент №66 с белилами.

Далее переходим к звездочкам - это светостойкость.

• - not lightfast (не светостойкая)
• \* less lightfast (слабая светостойкость)
• \*\* limited lightfastness (ограниченная, небольшая)
• \*\*\* lightfast (светостойкая )
• \*\*\*\* good lightfastness (хорошая светостойкость)
• \*\*\*\*\* extremely lightfast (отличная светостойкость)

Первые и последние мне не попадались, обычно от одной до четырех. Светостойкость имеет значение, если вы условно собрались вешать работы на стены или дарить кому-то для этих же целей. То есть если вы знаете, что на вашу картину может светить солнце или попадать свет. В этом случае лучше выбирать 3-4 звездочки, потому что слабые цвета (обычно розовые и фиолетовые) выцветают и бледнеют на свету. Если вы рисуете в скетчбуках, или сразу сканируете работу - то в целом светостостойкость не сильно имеет для вас значение. Проверить как изменится краска достаточно просто - надо сделать выкраску, разрезать ее пополам по вертикали и приклеить половинку на окно, а половинку положить куда-нибудь в книгу, например. Через месяц-два-три можно сравнить результаты. Очень сильно выцветает на свету так любимая всеми Ecoline.

Кроме звездочек за рубежом широко используется шкала ASTM с римскими цифрами:

• I - отличная Exсellent гарантированная светостойкость 100+ лет
• II - очень хорошая Very Good 100 лет
• III - нормальная Fair 50-70 лет
• IV - нестойкая Figurative 15-20 лет
• NR - информация не известна или краска не тестировалась согласно этой системе маркировки

Дальше плотность или укрывистость краски - обозначается квадратиками, иногда кругами или бог знает какими геометрическими фигурами. Обычно градаций несколько:

• □ белый квадрат- transparent (прозрачная), то есть совершенно не кроющая, такую краску “плотно набрать” достаточно сложно, но она очень хороша для прозрачных постепенных лессировок.
• □/□ белый квадрат перечёркнутый диагональной чертой - semi-transparent полупрозрачная
• □/▪ наполовину белый/наполовину чёрный - semi-opaque (полукроющая)
• ▪чёрный квадрат - кроющая

На укрывистость влияет факт есть ли в краске белила - если есть, то краска проще вымывается с работы. Это происходит за счёт того, что белила, как наждачка, абсорбирующее вещество, помогает снимать цветной пигмент. Зачем такие краски нужны? Они дают интересный эффект на первом слое и ими удобно ставить акценты на готовой работе - например блики, свет, подписи и так далее, но надо учитывать, что все-таки это акварель, а не акрил и даже белая краска не перекроет полностью красочный слой.

На акварели Шминке есть еще таинственные треугольнички, которые отвечают за окрашивание:

• Белый треугольник - краска неокрашивающая
• Черно-белый треугольник- краска полу-окрашивающая
• Чёрный треугольник - окрашивающий.

Это эффект, который краски производят на бумагу и нужно для протирания и смывания. Если на этикетке стоит чёрный треугольник, значит пигменты ядреные, хорошо окрасят бумагу (особенно хлопок) и выбрать цвет будет очень тяжело и смыть не возможно. Ну а белый соответственно поможет и смыть и протереть белые участки. Чаще всего встречается половинчатый треугольник, при котором до белой бумаги протереть не получится, но часть краски удастся смыть.

Вместо треугольничков еще могут быть цифры, как у Daniel Smith: 1 - не окрашивающая 2 - слабо окрашивающая 3 - средне окрашивающая 4 - сильно окрашивающая.

Гранулирующиеся краски обозначаются буквой G и дополнительно могут быть N-no (нет) или Y-yes, (возможна грануляция).

Вооружившись теперь всем, что узнали, посмотрим на этикетку:

Видим название цвета - Голубой церулеум, светостойкость - I то есть отличная, серия пигментов 3, краска не очень дорогая. В составе пигмент PB35, голубой церулеум, здесь даже указано, что связующее гуммиарабик. Не указана укрывистость краски и грануляция - в выкраске от производителя есть, что она полупрозрачная и гранулируется.

Вот и все, теперь вы можете разобраться в любых красках и выбирать с умом. ❤️

#укрывистость #информация #грануляция #полезное #этикетка #светостойкость #новичкам #художникам #художественные_материалы #акварель #пигмент

Собралась с мыслями и чувствами относительно этих карандашей и, собственно, рассказываю ощущения. Серия Pablo - профессиональная, карандаши по заверениям производителя на масляной основе, в отличие от Luminance, которые масляно-восковые (хотя вопрос это спорный, некоторые считают Пабло смешанными карандашами с преимуществом масляной основы). У меня набор на 30 цветов, но есть еще варианты 12, 18, 24, 40, 80, 120, половинчатые наборы с Supracolor или можно докупать карандаши поштучно. Брала конечно же на Jacksons (ссылка реферальная, зарегистрировавшись по ней вы получите скидку 10% на первый заказ).

Первое, что бросается в глаза - как круто сделана и коробка и карандаши, ничего нигде не болтается, все аккуратно и красиво. Сами карандаши с гранями, то есть не укатываются со стола и на каждом карандаше есть светостойкость и название цвета - на мой взгляд идеально. Цвет покраски так же максимально совпадает с цветом карандаша. Дерево карандашей очень ароматное и легко точится, карандаши мягкие и очень легкие. Но по шкале мягкости у них как раз оптимальное значение, они чуть тверже Mondeluz например и очень экономичные, от них не образуется никаких крошек, даже если сильно давить. Если обратите внимание многие карандаши на фото в заводской заточке и я ими довольно активно уже порисовала. Насчет ломкости грифеля сказать пока не могу - карандаши я не роняла и сломать пока ничего не удалось.

Относительно палитры - она идеальная, вот правда. Там есть все цвета, которые нужны и некоторые просто божественно красивы, например зеленые оттенки. Смешиваются карандаши очень хорошо, накладывать можно до 4 слоев со средним нажимом, дальше уже начинают немного проскальзывать. Ими очень легко сделать широкую градацию тона от самых светлых тонов к ярким. Еще одна особенность, которая меня порадовала - карандаш довольно легко стереть почти без следа обычным ластиком. После нанесения цвета не смазываются. Я проводила тесты на разной, но довольно качественной и плотной бумаге, результат меня более чем устроил. В галерее есть даже пример рисования на черной бумаге, выглядит немного бледно, но рисунок вполне различим и рисовать можно, я просто люблю поярче. Кстати это тоже особенность Пабло - некоторые считают их немного блеклыми по сравнению с другими марками, но это скорее дело вкуса, как мне кажется.

Если бы стоили чуть дешевле и крышку от коробки можно было бы снимать полностью - рекомендовала бы всем и каждому, потому что карандаши действительно хорошие. Вы знаете я не люблю хвалебные отзывы, но тут такой случай, когда придраться особенно и не к чему, за исключением мелких деталей. Подводя итоги:

Плюсы: - Качественные, легкие и яркие карандаши в отличной упаковке (удобно хранить и работать) - Хорошо точатся - В наборе хорошо подобрана палитра + есть эксклюзивные для марки цвета - Много вариантов по количеству карандашей в наборе - На карандаше есть вся необходимая информация и он не катается по столу во время работы - Хорошо смешиваются, дают большую градацию тона - Имеют оптимальную мягкость - золотая серединка, крошек нет, но карандаши мягкие - Хорошо комбинируются с другими марками

Минусы: - Высокая цена (частично оправдывается, к слову, экономичностью карандашей) - Не съемная крышка у коробки, из-за чего она занимает больше места в разложенном состоянии - Не самые яркие, иногда, чтобы набрать глубокие или темные тона приходится накладывать больше слоев и усиливать нажим - У некоторых карандашей низкая светостойкость в отличие от суперсветостойкой серии Luminance

В целом карандаши по категории выше среднего, вполне пригодны для профессиональных работ.

#обзор #обзор_материалов #карандаши #цветные_карандаши #pablo #carandache #выкраски #плюсы_и_минусы

В этот раз у меня история милая и одновременно полная драматизма - поговорим о бельгийской художнице с непростой жизнью и интересной нишей - картины собак и котиков. Казалось бы все просто, но не делайте скорых выводов. К слову, если вы хотите почитать все мои истории про художниц женщин, сделать это можно по тегу #женщины_в_искусстве.

Итак, Генриетта Роннер-Книп родилась в семье, полной художников. Отец, Йозеф Август Книп давал ей и своей младшей сестре Генриетте Гертруде уроки живописи; мать — французская художница Полин Рифер де Курсель, в основном изображавшая птиц (некоторые источники утверждают, что матерью Генриетты Роннер-Книп была Конелия ван Леувен, с которой её отец жил в то время, разойдясь с женой). Дедушка по отцу, Николас Книп (1741—1808), также был художником. Естественно в такой творческой семье Генриетте даже не пришлось выбирать кем быть. Уже в 5 лет она копировала работы отца, а в 6 лет стала его прилежной ученицей.

Семья часто переезжала из-за работы отца - он писал городские жанровые пейзажи и батальные сцены. В 1823 году Джозеф Август Книп ослеп на один глаз, а спустя год он и Полин Рифер де Курсель развелись, и он женился на Корнелии ван Леувен. В 1832 году художник полностью ослеп, но семья продолжала менять место жительства до 1840 года, когда они осели в Берликуме. К тому времени Генриетта взяла на себя финансовую ответственность за всю семью и начала серьёзно заниматься живописью. К 16-ти годам юная художница отправила первые свои работы на выставку в Дюссельдорф, где и была продана ее первая картина, изображающая кошку на окне (вероятно вот эта).

После смерти Корнелии Гениетта переехала в Амстердам, где начала писать фермерские пейзажи, леса и животных акварелью, а затем и маслом. Она стала первой женщиной, ставшей активным членом сообщества художников Arti et Amicitiae. Генриетта, так и оставшись без академического образования, вначале получала заказы от небогатых горожан, желающих увековечить своих четвероногих питомцев. Ее клиентами были в основном купцы, в работе использовавшие собак, запряженных в тележки с товаром, чуть ниже как раз картина “Смерть друга”, которая принесла художнице большой успех. В 1850 году она вышла замуж за Фейко Роннера и они переехали в Брюссель. Муж часто болел и не мог работать на постоянной основе, поэтому он стал агентом Генриетты. К тому времени она сузила свой круг интересов в живописи и писала практически только собак и кошек. Среди натурщиков были собаки Марии Генриетты Габсбург-Лотарингской (белая болонка в галерее ниже) и принцессы Марии Гогенцоллерн-Зигмаринген, также среди ее заказчиков оказались кайзер Германии Вильгельм I, принцесса Уэльская, герцогиня Мария Эдинбургская- дочь императора Александра II, а также короли Ганновера, Пруссии, Португалии.

Шли года, менялась мода на домашних питомцев. И если в начале художественной карьеры героями работ Генриетты были в основном собаки, то в 50-летнем возрасте художница запоями начала писать кошек, которые до конца дней поселятся в ее доме и на полотнах ее картин. К тому времени художница вела тихий и скромный образ жизни, наслаждаясь семейной жизнью, она жила в доме с большим садом, где держала собак, кошек и попугая. В 1887 году она получила Орден Леопольда I, а в 1901 году — стала кавалером Ордена Оранских-Нассау.

Умерла художница в почтенном 88-летнем возрасте. Она творила, не выпуская из рук кисть, до последних своих дней. Её трое детей также стали художниками.

Генриетта Роннер-Книп не вошла в историю живописи наряду со знаменитыми художниками мужчинами, которые своим творчеством внесли в историю искусства весомый вклад. Однако ее картины так милы и непосредственны, что до сегодняшнего дня стоят огромных денег на аукционах и привлекают внимание коллекционеров. Эта скромная женщина сделала котят и кошек героями своих картин и рисовала их настолько правдоподобно, что их хочется погладить. Такие простые сюжеты, а такой успех уже при жизни. Примечательно так же, что все ее работы поразительно живые - все животные куда-то двигаются, их много и бесконечно хочется рассматривать детали, вся обстановка как будто дышит жизнью.

Мне кажется, это заслуживает внимания ❤️

#женщины_в_искусстве #искусствоведение #женщина #художница #генриетта_роннер-книп #кошки

Времена меняются, если раньше, чтобы написать книгу надо было прожить жизнь и набраться опыта, то сейчас книжку можно написать просто для раскрутки своего инстаграмчика.

Попалось мне тут пособие по рисованию маркерами на многострадальную тему хюгге (кто только на ней, несчастной, не покатался) и оно настолько отвратительное, что я решила рассказать общественности о том, что творится. Книга “Хюгге-скетчи” авторства Ирины Шельменко, преподавателя курсов по скетчингу и основателя собственной школы рисования.

Итак, книжка заявлена как “обучающий скетчбук”, в ней приведены пять пошаговых иллюстраций для повторения, о них я расскажу чуть ниже отдельно. В предисловии конечно же цитата Ван Гога и вот это - “Если вы хотите научиться создавать профессиональные скетч-иллюстрации, эта книга для вас”. Цели тоже ставятся весьма амбициозные:

В книге вы познакомитесь с различными приемами в рисовании маркерами. Изучите текстуры и фактуры. Глянец и стекло, дерево и шерсть. Как нарисовать свет и пламя. Как работать с мелкими деталями и фоном. Как сделать предметы на рисунке объемными.

Весь текст в книге ужасно корявый и с кучей логических ошибок. Многие надписи попадают в сгиб, что вообще-то является ошибкой верстки, автором макета указана сама автор. С момента открытия книги, кстати, ее имя уже упоминается четыре раза, начиная с обложки, а книга еще толком не началась. Стоит это удовольствие примерно от 450 до 600 рублей в зависимости от магазина, то есть весьма недешево, на мой взгляд. Тема маркеров вообще сейчас просто бомбит в инстике, поэтому таких “пособий” появляется все больше и больше, так что посмотрим что и как.

Начнем с того, что треть страниц в книге - просто чистые листы (по 10 страниц после каждой иллюстрации, то есть 50 страниц из 147). Это не ошибка печати, это типа место для ваших работ, но мы то знаем, как бумага для маркеров капризна по требованиям. И рисовать в книжке после этого по рекомендации “профессионального скетчера” ну как-то нелепо что ли. При этом выглядит это крайне странно, потому что нигде об этом не сказано, просто контент внезапно обрывается и чистые листы, ощущение наебалова преследует вас после каждого урока. Самое смешное, что в начале книги есть рекомендация выбирать правильную бумагу, а то ничего не получится.

Построения в книжке отвратительные. У меня нет другого слова в словаре, когда я смотрю на эти чашки.

Предполагается что книга - результат какой-то работы, образец для подражания. Но брать это в качестве образца не рекомендую никому. “Легкий карандашный скетч” весьма нелегкий с попытками построить хотя бы оси по линейке и с лохматыми линиями. Специально акцентирую на этом внимание, потому что почему то многие считают, что скетч - это вообще не рисунок и можно абы что начеркать и нормально. Но нас-то учат профессиональным скетч-иллюстрациям, как мы помним. При этом у автора колоссальные проблемы с прямыми ровными линиями вообще по жизни, не только в книге.

Палитры и выкрасок никаких нет, используются маркеры копик и их цвета, но сказано, что выбирайте сами, что хотите. Однако цветовая кодировка вся дана по копикам. Как об этом должен догадаться новичок - непонятно.

Леттеринг в книге это отдельная тема. Я понимаю, что писать красиво дано не всем, в этом нет ничего зазорного, но когда вы верстаете книгу, купите нормальный шрифт рукописный! Эти кривые буквы преследуют на протяжении всей книги и очень сильно бросаются в глаза, выглядит как тетрадь пятилетки.

Никакого послесловия, кроме автобиографии автора в книге нет, то есть нарисовали пять иллюстраций и до свидания. Зато нам дают кучу идиотских фактов с постоянным яканьем и ссылку на инстик. Ну да ладно.

Что в итоге: недешевая, непрофессиональная книга-разукрашка, которая по факту просто говно. Ничему вас не научит, только время и деньги потратите. Картинки отвратительного качества, автор не умеет ни строить, ни рисовать и уж тем более учить этому других. Люто не советую никому, даже детям.

#хюгге #маркер #техника #скетчи #обзор #книга #маркеры #отзыв #скетч

Увидела и теперь не могу ни есть, ни пить - слишком это прекрасно. Японский автор специализируется на еде и напитках и выглядит это очень красиво и аппетитно, но самое главное, кто вышивал знает, насколько это трудоемко. Кроме еды есть и другие сюжеты, но еда, по-моему, лучше всех. Особого внимания заслуживает подача любой работы.

Инстаграм с морем красоты и вкусноты.

#современное_искусство #современные_художники #япония #японский #вышивка #интересно