На днях я побывала на лекции Варвары Горбаш – топового стокера и известного иллюстратора. Варвара уже 7 лет живет на Бали за счет фриланса, постоянно путешествует по миру. Она занялась стоками 7 лет назад, и на данный момент ее портфолио на Shutterstock насчитывает 8500 картинок, причем, в основном это векторные иллюстрации. При всей своей работоспособности Варвара не похожа на замученного иллюстратора, который с утра до ночи клипает симиляры, судорожно наращивая портфель. Она находит время на спорт, путешествия и заботу о сыне. Варвара человек очень расслабленный и жизнерадостный.

В основном на лекции она рассказывала, как очутилась на Бали и что ее подтолкнуло к этому решению. Наверное, есть еще люди, которые наивно полагают, что достаточно сменить место жительства на более комфортное и тебе откроется ПОТОК. Работа начнет спориться, наконец-то найдется индивидуальный стиль, который, конечно, все заметят и полюбят, заказы польются рекой и т.д. Что касается Варвары Горбаш, то она покинула родную Сибирь уже после того, как у нее все это было – опыт работы, коммерчески успешный стиль, привлекательное портфолио и постоянные заказчики. После этого она взялась за стоки, продолжая параллельно работать с заказчиками. Что касается стоков, то на лекции прозвучало несколько интересных вещей. Для многих, возможно, это не будет откровением, но я все равно выделю то, что показалось мне важным. Отмечу, что Варвара не говорила об этом как о незыблемых постулатах, это ее мнение, причем, я сформулировала эти вещи здесь своими словами.

1.Для коммерчески успешного портфолио есть смысл следить за трендами. Один из вариантов, как понять, что нужно рисовать – следить за новыми коллекциями модных домов, именно они диктуют то, что будет популярно в новом сезоне. Какие цвета, какие принты, какие образы и т.д. (Кстати, я потом вспомнила, что нечто подобное я слышала на лекции Покараса Лампаса в прошлом году, он тоже советует следить за фэшн-индустрией).

2.Акварель уже перестает быть в тренде (для меня это плохие новости, так как я как раз серьезно занимаюсь аквой). Те ребята, которые начали делать акву на Шаттер 3-5 лет назад сняли все сливки. Сейчас новое акварельное портфолио не принесет внушительных дивидендов. Но есть и хорошая новость: в моде до сих пор живые материалы, которые позволяют делать эффектные текстурные картинки. Единственное, они уже не так ценятся в чистом виде, выигрышный вариант – комбинировать их с компьютерной графикой. Например, акварель+вектор. Так что аквой заниматься все же нелишне, но и не забывать компьютерную графику.

3.Еще одна плохая новость, что сейчас, действительно, намного сложнее раскачать на стоках даже отличный портфель. Здесь выживут самые упорные – те, кто согласен долго ждать и при этом постоянно пополнять портфель. Также важно следить за трендами и внимательно анализировать рынок. Короче, нужно протиснуться через игольное ушко. А надо ли это вообще? Может быть, лучше просто рисовать на заказ? (Это уже мои мысли).

4.Большинство заказчиков и покупателей на стоках, чтобы ни говорили, предпочитают вектор. Если говорить о России, то еще и сложные реалистичные иллюстрации. Варвара говорит, что неплохо обзавестись такой штукой как IPad Pro, потому что он, действительно, ускоряет работу. Если серьезно нацелились на то, чтобы работать на стоках, есть смысл купить этот гаджет.

5.Хорошо всегда иметь заначку из иллюстраций на случай поездок, болезней, отпуска и т.д. То есть на тот период, когда не будет возможности пополнять портфель. Делается новая партия картинок, из нее в отдельную папку закидывается несколько штук. При регулярном пополнении эта папка может выручить в нужный момент.

Творческая встреча с Варварой, действительно, была очень вдохновляющая. Но лично у меня не зачесались руки снова срочно садиться за Шаттер. Все-таки это масштабная работа, требующая многих усилий. Тем не менее, многие ее слова дали мне пищу для размышлений.

Как у вас обстоят дела с раскачкой портфеля? Что думаете про тренды? Есть у вас свои лайфхаки по работе со стоками?

#shutterstock #акварель #дизайнерам #иллюстрация #интересно #стоки

Всем привет!

Появилось большое желание научиться рисовать на графическом планшете. Я вполне сносно рисую от руки, и думала, что быстро освою этот инструмент. Просто сижу каждый день какое-то время обвожу чужие картинки и рисую простые фигуры, чтобы получалось как можно ровнее. Читала в разных статьях, что здесь главное - постоянная и долгая практика. Это и коту ясно - такое нужно во всем. Но мне интересно,есть ли какие-то фишки и лайфхаки, благодаря которым можно убыстрить этот процесс? Я много лет занимаюсь акварелью, и знаю, что можно тупо мазать годами, но если ты знаешь несколько важных фишек, то твой уровень сразу взлетает. Вот это я имею ввиду, спрашивая про планшет. У меня сейчас простенький Wacom, решила начать с него.

Как вы учились рисовать на планшете? За какое время добились уровня, чтобы эти картинки стало можно продавать на стоках? Буду благодарна, если поделитесь какими-то ссылками на уроки или на курсы. Спасибо большущее!

#вопросы #обучение #графический_дизайн #графика #планшет

Просто хочу поделиться. Речь пойдет не о работе, а просто о приятном занятии, связанном с иллюстрацией. Уже несколько лет занимаюсь акварелью, и недавно у меня зародилась идея не просто рисовать картинки, а объединить их одной темой, точнее, одним героем.

Мне очень нравятся иллюстраторские проекты, где в центре находится какой-то персонаж, например, белка Крошка Ши или ленивец Свободный от забот, если говорить о мировом уровне, то больше всех я люблю толстого кота Пушина. На данный момент все эти три героя уже стали брендами – можно купить с ними разную продукцию, в соцсетях есть – стикеры с ними и т.д. Лично у меня была какая-то внутренняя потребность нарисовать кого-то и придумывать про него разные истории и картинки.

Так появился мой медведь Парсифаль. Это сибирский мишка, занимается фрилансом, любит свою работу, немного интроверт, любит ходить по театрам и музеям. Не очень эмоционален (это можно понять по его морде), но иногда может выпустить когти на своих мохнатых лапах. Завела для него паблик в вк (если интересно, ссылка на него в моих контактах) – называется просто «Парсифаль», а также личный медвежий инстаграм. Еще поучаствовала в местном конкурсе – отправила одну из картинок с Парси.

Испытываю столько радости от рисования этих иллюстраций. Наверное, потому что делаю, что хочу. Кстати, этого медведя я изначально придумала, чтобы сделать с ним пакет на Creative Market, но теперь выкладываю эти картинки просто так. А вы придумывали когда-нибудь своего персонажа? Стоит ли в будущем монетизировать такие проекты? Есть ли у вас свои любимые рисованные персонажи?

#персонаж #страсть_как_хочется_рассказать #иллюстрация #акварель #illustration #watercolor

Дорогие коллеги, нужна ваша поддержка – участвую в конкурсе социальной рекламы, посвященном проблеме массового отъезда молодежи из родного города.

К сожалению, орги конкурса заменили выбор победителя посредством жюри голосовалкой на сайте. Поэтому победителем станет тот, за кого проголосует больше всего народа. Поэтому обращаюсь к вам с просьбой о поддержке – проголосовать можно с разных гаджетов и компа. За Катерину Корф https://www.om1.ru/konkurs/138/list/15393/?rand=0.9161569798776321 Мишка, которого я нарисовала – это часть моего проекта «Медведь Парсифаль», он будет запущен в июле. Победа в конкурсе стала бы для проекта отличным стартом, денежный приз будет также пущен на его реализацию.

Моя работа – единственная, сделанная своими руками картинка, остальные – слепленные за 5 минут на специальных сайтах демотиваторы. Обидно будет им продуть.

Что касается Парсифаля, то идея этого проекта как раз появилась у меня благодаря этому сообществу. Зимой я придумала и нарисовала забавного медведя, чтобы сделать с ним пакет на Creative Market. Потом я стала рисовать этого мишку в других ситуациях ради удовольствия. Вскоре поняла, что у меня получается цельный персонаж со своим стилем жизни и своей идеей. Как раз начался этого конкурс. Эта картинка с Парсифалем – аллюзия на известный мем «Не пытайтесь покинуть Омск». Буду благодарна вам за поддержку) А кто-нибудь участвовал в подобных конкурсах по иллюстрации?

#акварель #иллюстрация #конкурс #помощь #вопросы

Всем привет! В конце марта открыла свой магазин на Creative Market. С первого раза у меня не поучилось, и я обратилась за помощью на artlab. Cпасибо этому сообществу – дали мне много полезных советов, и благодаря этому я прошла на Креатив. Мой магазин https://creativemarket.com/katerina_korf Хотела бы на начальном этапе узнать ваше мнение о моем магазине и продуктах, чтобы в дальнейшем развивать его в правильном ключе. Там пока 6 пакетов, но я планирую добавлять в месяц еще по 1-2 продукта.

Продаж нет, фолловеров тоже, лайков совсем чуть-чуть. Не знаю, влияют ли последние два пункта на рейтинг магазина, нужно ли стремиться набирать то и другое? На free goods пока ничего не отправляла. Не знаю, что выбрать – более простое, что не жалко или, наоборот, что-то авторское, трудоемкое. Как поступали вы? Что делали вы, чтобы продвинуть свой магазин на CM? Много ли времени прошло до того момента, как у вас пошли продажи? Сколько нужно выложить продуктов, чтобы доход с CM был 100 долларов и выше? Есть ли шанс продвинуться, если зарегился только в 2018-м году? Часто слышала мнение, что на Креативе хорошо живется только тем, кто там уже давно – именно их пакеты на самой вершине запросов. Спасибо большое!

#критика #creative_market

Расскажу небольшую историю про одну свою иллюстрацию - фиолетовый цветок. Она выполнена акварелью в жанре ботаники. Причем, ботанической аквой я увлеклась только прошлым летом – до этого в такой реализм я не погружалась. Я отучилась месяц на курсах в Питере и загорелась этой темой – мне очень понравилось рисовать реалистичные цветы, фрукты и овощи, обращая внимание на все прожилки, вмятины и прочие детали. И я поставила себе цель – каждый раз, рисуя новую иллюстрацию, усложнять работу.

Как-то я наткнулась на фото чудесного фиолетового цветка (я до сих пор не знаю как он называется), и мне показалось, что я уже готова, чтобы сделать такую сложную работу. Помню свой азарт – делать все эти плавные переливы от нежно голубого к сиреневому, а потом к розовому, штриховать тонкие прожилки…

В какой-то момент, когда иллюстрация уже была готова почти на половину, я отставила ее и поняла, что неровно отрисовала нижний цветок – один из лепестков как-то неестественно отгибался. Меня охватили смешанные чувства – в акварели исправить что-то без потери качества картинки почти невозможно. То есть, если я хочу, чтобы иллюстрация была хорошей, мне придется ее переделать. К тому моменту я потратила на нее примерно 8 часов! ААА! Что делать?

Продолжить дорисовывать картинку, потратив еще часов 10, но потом смотреть на этот несчастный лепесток? Или начинать все заново и потратить еще 18-20 часов? В общем, я разозлилась и начала переделывать, потому что меня раздражает, если в любой работе есть место, которое мне не нравится. Проанализировав запорченную картинку, я поняла, что ошибка была сделана из-за рисунка – я неправильно сделала построение бутона, из-за чего сместился лепесток. Всего лишь из-за рисунка мне пришлось выкинуть 8 часов кропотливой работы. Больше всего меня раздражает в этой жизни – это бесполезно потраченное время, поэтому я учусь на своих ошибках и каждый раз усиливаю бдительность)

Теперь, когда я делаю работу, я проверяю рисунок вдоль и поперек, потому что помню историю с этим фиолетовым цветком! Всем, кто у меня учится акварели, я постоянно говорю о важности рисунка – он должен быть идеален)

В общем, когда я закончила этот цветок (в целом на него ушло около 2-х недель), я испытала настоящую радость! Все было как я хочу)

Как бы вы поступили в такой ситуации? Часто что-то переделываете? И как относитесь к перфекционизму? Столько статей о том, что он губителен, а я считаю, что надо делать либо супер, либо переделывать, пока не будет круто)

#акварель #watercolor #акварельное_вдохновение #illustration #иллюстрация

Это на редкость лаконичная и увлекательная книга в первую очередь будет полезна тем, кто занимается коммерческой иллюстрацией (особенно книжной). Из своего произведения Молли Бэнг, как по-настоящему творческий человек, решила сделать не просто нудный свод правил, а превратила его в графический альбом. Каждая мысль иллюстрируется картинкой. Большая часть иллюстраций для книги сделана из… разноцветного картона. На примере простых геометрических фигур художница создает целые истории, вызывающие разные эмоции.

Молли проводит в своей книге исследование о том, как форма объектов, цвет и их расположение друг относительно друга влияют на восприятие человека. Художница признается, что в процессе создания своего труда она консультировалась с известным исследователем Рудольфом Арнхеймом – автором многих работ по теории и психологии искусства. В книге немало любопытных и точных замечаний, которых не встретишь в классических учебниках по композиции. «Угроза не кажется страшной, когда хищник находится рядом с жертвой, потому что у жертвы нет времени убежать, а у нас – испугаться», - пишет Молли Бэнг.

Действительно, самые напряженные моменты в фильмах ужасов - это не те, когда монстр уже нависает над своей жертвой. Самые остросюжетные эпизоды те, когда у жертвы еще есть время, чтобы спастись, когда присутствует интрига – сможет ли она убежать или монстр все-таки настигнет ее и разорвет на куски?

Итак, из книги «Нарисуй… Как работают иллюстрации?» можно узнать: -как правильно нужно располагать объекты в иллюстрации, чтобы вызвать определенные эмоции – спокойствие, страх, напряженность, уверенность и т.д. -как сделать иллюстрацию статичной или, наоборот, добавить в нее динамику -как с помощью цвета, расположения на листе и т.д. выделить главный объект на иллюстрации -как правильно применять белый и черный цвета на своей работе -что на картинах действует на нас сильнее всего -что будет, если подвинуть объект в центр листа или сместить его к краю -какие вопросы в первую очередь мы должны задать себе, начиная работать над иллюстрацией

И немного цитат: ….Некоторая степень неоднозначности может послужить мощным стимулом для того, чтобы заинтриговать и убедить нас, но слишком сильная неоднозначность только запутывает ситуацию. А на путаницу люди часто отвечают раздражением: не понимая картину эмоционально (а мы должны ее понимать!), мы можем почувствовать себя глупыми и отверженными – и уйти за пределы изображения. …Когда два или более объекта на рисунке имеют один и тот же цвет, мы связываем их друг с другом. Смысл и эмоции, которые мы вкладываем в эту связь, зависят от контекста, но сама связь возникает немедленно и является очень сильной. …Мы замечаем контрасты, или, иначе говоря, мы видим благодаря контрастам. Контраст может наблюдаться между цветами, формами, размерами, положением предметов или между комбинациями этих параметров. Но именно контраст дает возможность видеть изображения и их элементы. Все восприятие человеком изображений основано на контрастах.

#интересно #книги #иллюстрация #illustraton #рецензия #графика

Осенью прошлого года вышла замечательная книга для тех, кто интересуется акварелью – «Песня цвета». Я приобрела ее в электронном варианте, в бумажном она выглядит очень красиво и добротно. Стоимость примерно 1300 рублей. Поэтому, кому не жаль финансов, эта книга будет хорошим вложением и отличным подарком рисующему человеку.

Взявшись за «Песню цвета», я поняла, что обычное чтение на диване с ней не пройдет. Чтобы от книги был профит, по-хорошему в ней нужно выделять наиболее значимые идеи и клеить закладки. Но, поскольку «Песня цвета» была у меня в электронном варианте, все важные для себя моменты я просто записала в отдельный блокнот (куда я пишу все важное по акварели, чтобы потом, при случае чего, туда обратиться).

Книга представляет собой набор и 31-го урока, в которых рассказывается про цвет, тон, объем, форму, композицию и т.д. Причем, именно для меня эта книга была ценна, ведь все это Джинн Доби рассказывает через призму акварели.

Также книга принесет пользу, если что-то из этих уроков постараться выполнить. Больше всего «Песня цвета» придется по душе тем, кто занимается пейзажами. Но, поскольку, мне больше интересна коммерческая иллюстрация, то я взяла для себя на вооружение часть уроков. Чтобы не тратить ваше время, кратко распишу темы, которым Доби уделяет особенное внимание, а также те, что будут интересны иллюстраторам. Кроме того, приведу из книг несколько особенно вдохновляющих цитат.

Итак, из книги «Песня цвета» можно узнать:

-об особенностях акварельных пигментов, как они ведут себя на бумаге, как взаимодействуют друг с другом -как составить свою палитру -как избежать грязи в акварельных замесах -как сориентироваться в теплохолодности -как создать «поющие» цвета -как работать с лессировками -как правильно построить цветовую композицию -как правильно работать с интенсивностью цвета -что нужно знать о темных цветах -как обратить внимание зрителя на выставке на свою картину И немного цитат: «Цвета похожи на драгоценности: каждый должен быть размещен тщательно, как камень в оправе. Правильная оправа наделяет камень сиянием и улучшает его качества. Но она хороша лишь тогда, когда вы не замечаете ее: ее присутствие должно оставаться неуловимым, а не затмевать красоту камней».

«Какие-то формы должны стать композиционным центром. Но если каждая фигура будет волнующей и привлекательной, выйдет полный хаос. Некоторые должны быть не столь заметными, особенно на второстепенных участках. Они могут поддерживать все остальные».

«Всеобъемлющий подход к композиции — создание картины, являющей собой общую сумму всех основных компонентов, а не передний, средний и задний план. Здесь не нужны дороги и тени, ведущие внутрь или наружу. Вы можете разделить формы, интенсивность и цвета, чтобы потом соединить их и создать цельную композицию. Каждый фрагмент поддерживает общую идею. Взгляд зрителя будет падать на самую привлекательную форму, самый яркий свет или самый утонченный цвет, которые и станут композиционным центром».

«Главное — не запутать зрителя. Избегайте чрезмерного разнообразия интенсивности, это делает формы раздробленными. Простая и красивая живопись производит большее впечатление».

«Постарайтесь сохранить первоначальные идеи. Позвольте вашей картине расти, постепенно обретая форму и уникальность, как малышу, который развивается. Идеи податливы и гибки. Ваша задача — улучшить их, вырастить и дать им созреть. Пусть ваша картина будет восприимчивой к изменениям до конца».

Недавно нашла свою старую картинку груши 4-летней давности. Акварелью я занимаюсь давно, но какой-то видимый прогресс начался только в последние два года. Во многом из-за того, что учиться акварельной технике было негде.

Для меня любовь к акварели началась с выставки художницы Елены Базановой. На эту экспозицию я попала, отдыхая в Санкт-Петербурге в 2010- году. И меня уже тогда заинтриговало, как с помощью вот этих вот знакомых с детства, наивных акварельных красок можно создавать такую необыкновенную красоту? Это была тайна, ведь в 2010-м никто особо не рассказывал, как рисовать акварелью. Маслом – пожалуйста, а в этой технике – нет.

Я живу в Омске, и в то время в плане акварели у нас все было глухо. Чтобы как двигаться, я пошла на индивидуальные занятия в местный дом культуры. Друзья, если вы хотите научиться акварели, никогда не ходите в подобные места! Там не рассказывают, что должна быть специальная бумага, особенные краски, а уж про технику вы там в помине ничего не услышите. Я рисовала на обычном ватмане формата А3, который крепила кнопками на планшет. Он устанавливался под наклоном, и когда я начинала рисовать, то краска текла ручьями по гладкой глянцевой поверхности той бумаги, которая совершенно не предназначена для акварели. Всюду была грязь, какое-то уродливое месиво. И это даже на миллиметр не напоминало ту волнующую, прозрачную, чистую акварель Елены Базановой.

Я училась там года полтора, была разочарована и перешла на масло. Собственно, все четыре года, которые я потом училась в Школе портрета, я работала маслом, а акварель шла параллельно, для души. И я рисовала ей бог на душу положит (это заметно по унылой груше). А потом пошел неожиданный взлет (ура!). Произошло это благодаря тому, что я постепенно освоила базовую теорию академического рисунка и живописи. Знания о форме, цвете, тоне, теплохолодности и т.д. помогли мне начать понимать акварель.

1.Поэтому первое, что важно в работе акварелью – классические знания рисунка и живописи. Они помогают ответить на вопросы – как намешать правильный цвет, как придать объекту объем, что усилить, что списать и т.д. Круто, если вы в свое время получили такое образование, но если нет, сейчас в разных городах появляется все больше школ для рисования, куда можно ходить в любом возрасте и даже совмещать учебу с работой.

2.Акварель - это довольно специфическая техника по сравнению с акрилом, маслом и другими материалами, поэтому нужно изучать особенности работы с ней. Мне в этом помогли статьи из интернета, книги и видеоуроки. Особенно вот эта статья МК, в которой Елена Базанова рассказывает как писать натюрморт с гранатами. Прочитав эту статью, я попробовала сделать свой – также разложила гранаты на драпировке и писала с натуры.

Очень важно не только читать статьи и смотреть обучающие видео, но и делать вслед за ними свои работы. Пока ты читаешь и смотришь, все кажется понятным, но когда начинаешь делать, проходишь какие-то нереальные круги ада – все течет не туда, объекты кривые, цвета не те и т.п.(Божэ, может быть, у меня не руки, а ножницы как у Эдварда?!). Также важно смотреть видео профессиональных акварелистов, а не дилетантские уроки, которых сейчас на Ютуб масса. На мой взгляд, лучше всего учиться у тех художников, которые уже зарекомендовали себя и чьи имена более или менее на слуху.

3.Платные уроки и курсы. Несколько лет назад их просто не было, зато сейчас они появились в каком-то нереальном количестве. Меня атакуют предложения по мэйлу, вконтакту, инстаграму, и даже браузеры кишат рекламой об акварельных курсах. Я покупала курсы и училась по ним рисовать. Могу поделиться парой наблюдений. Во-первых, если вы никогда не рисовали (ни акварелью, ни любыми другими материалами), то очень сомнительно, что вы научитесь очень хорошо рисовать по купленным видео. Я столько раз сталкивалась с тем, что преподаватель не до конца объясняет то, что он делает. «А вот теперь ррраааз, и нарисуем здесь цветок!». «Ааааа! Что? Как ты это делаешь?!». Обычно от препода еще бывают «подсказки» из серии «Импровизируем! Расслабились и просто наслаждаемся процессом!». Друзья, ну нельзя подключиться к космосу, открыть третий глаз и начать понимать, как делать цветок. Так что некоторые подобные курсы только растят чувство неполноценности. Вроде преподаватель объяснил, а ты все равно ничего не можешь. Просто он не все сказал или не так, чтобы каждому стало понятно.

Во-вторых, дистанционные курсы и уроки часто дорого стоят. Поэтому прежде чем платить 20 тысяч, подумайте, стоит ли оно того? Может быть, лучше за эти деньги пойти на живые занятия?

4.Живые курсы по акварели, на мой взгляд, самые эффективные. Здесь преподаватель уже не сможет сослаться на «третий глаз», ему нужно будет объяснить, как делать тот или иной эффект, чтобы у каждого он получился. Кроме того, когда ты посещаешь занятия вживую, начинаешь больше ценить то, что на их узнал, ведь они требуют куда больше сил и времени, чем видео по компу. Ты ездишь, учишься в определенное время, общаешься и обмениваешься информацией. Интересно то, что живые курсы могут стоить дешевле дистанционных. Я впервые побывала на акварельных курсах в прошлом году – у художницы Светланы Лансе. Дело в том, что в Омске учиться вживую акварели негде (как и во многих других российских городах), поэтому приходится выезжать в столицу – в моем случае в СПб. Если бы я семь лет назад попала на живые курсы по акварели, я, как говорится, была бы уже не здесь)

Но зато все мои знания были собраны буквально по крупицам в течение долгих лет и добывались подчас очень тяжело. И поэтому сейчас я их нереально ценю, и они въелись в мой ум намертво. То же самое касается и материалов бездна денег потрачена на краски, кисти и бумагу разных видов и марок, чтобы найти лучшие. 5. И последнее, что стоит относительно недорого, и что позволить себе сможет каждый – это книги. Сейчас выходит много книг, посвященным акварели, но полезны из них лишь часть. Для меня книги приносят ощутимую пользу только в том случае, если я читаю их не в автобусе на телефоне, а дома, спокойно, лучше в бумажном варианте, чтобы делать пометки и закладки. Если книга не в бумажном виде, а в электронном, то нелишне будет сделать краткие выписки в блокнот.

Друзья, я как вы осваивали акварель?

#обучение #акварельное_вдохновение #акварель

Всем привет!

Прошу совета поделиться опытом о сдаче экзамена на Creative Market! Сделала запрос на открытие магазина, но пришел отказ. Посоветуйте, пожалуйста, что сделать со своим портфолио, чтобы прорваться на CM? В первой графе отправила ссылку на Behance, во второй на Шаттер.

Буду благодарна за критику и советы!

Можно ли отправлять ссылку на инстраграм? мой выглядит как портфолио инстаграм

Не могу понять, что не так( Вроде бы там показано, что умею пользоваться мокапами, делаю паттерны, рисую и руками, и на компе. Я очень долго готовилась, прочитала кучу блогов, анализировала, какие работы люди грузят на CM,старалась сделать что-то подобное, и вот такой результат.

Самое обидное, что я приготовила для CM три проекта, чтобы сразу после регистрации залить! Хотела бы продавать акварельные иллюстрации и паттерны.

Подскажите, можно ли дублировать свои работы на Шаттере и CM? Например, то, что уже готово, залить за Шаттер, а потом, если вдруг все-таки получится открыть магазин, на CM продублировать то, что есть на Шаттере?

Всем большое спасибо!!

#shutterstock #портфолио #экзамен #заявка #вопросы #вопросы_пользователей #creative_market